Musique

La musique est l'agencement des sons visant à créer une combinaison de forme , d'harmonie , de mélodie , de rythme ou d'autres contenus expressifs . La musique est généralement considérée comme un universel culturel présent dans toutes les sociétés humaines. Les définitions de la musique varient considérablement quant à leur contenu et leur approche. Bien que les musicologues s'accordent à dire que la musique est définie par un petit nombre d' éléments spécifiques , il n'existe pas de consensus sur la nature de ces éléments. La musique est souvent caractérisée comme un moyen d'expression extrêmement polyvalent pour la créativité humaine . La ​​création musicale implique diverses activités, généralement classées en trois catégories : composition , improvisation et interprétation . La musique peut être interprétée à l'aide d'une grande variété d' instruments , y compris la voix humaine . Elle peut également être composée, séquencée ou produite de toute autre manière pour être jouée indirectement, mécaniquement ou électroniquement, par exemple au moyen d'une boîte à musique , d'un orgue de Barbarie ou d'un logiciel de station de travail audio numérique (DAW) sur ordinateur.

La musique joue souvent un rôle essentiel dans les événements sociaux et les cérémonies religieuses . Les techniques musicales se transmettent généralement dans le cadre d'une tradition culturelle . La musique est pratiquée dans des contextes publics et privés, et est particulièrement mise en valeur lors d'événements tels que les festivals et les concerts, pour des ensembles de tous types. Elle est également utilisée dans la production d'autres médias, comme les bandes originales de films, de séries télévisées, d'opéras et de jeux vidéo.

L'écoute de musique est un divertissement courant . La culture musicale s'étend à des domaines tels que les études universitaires , le journalisme , la philosophie , la psychologie et la thérapie . L' industrie musicale regroupe les auteurs-compositeurs, les interprètes, les ingénieurs du son , les producteurs, les organisateurs de tournées, les distributeurs d'instruments et d'accessoires, ainsi que les éditeurs de partitions et d'enregistrements . Historiquement, les technologies permettant l' enregistrement et la reproduction de la musique comprennent les partitions, les microphones , les phonographes et les magnétophones , tandis que la lecture de musique numérique est aujourd'hui courante grâce aux lecteurs MP3 , aux lecteurs CD et aux smartphones .

Le mot anglais moderne « music » est apparu dans les années 1630. Il dérive du moyen anglais « musike » , lui-même issu du vieux français « musique » , puis du latin « mūsica » — et enfin du grec ancien « mousiké technē » ( μουσική τέχνη ), une expression signifiant « art des Muses ». Les Muses étaient neuf divinités de la mythologie grecque antique qui présidaient aux arts et aux sciences . Elles figurent dans les récits des premiers auteurs occidentaux, Homère et Hésiode , et finirent par être associées spécifiquement à la musique. Avec le temps, Polymnie acquit une place plus importante dans le domaine de la musique que les autres Muses. Le mot latin musica est également à l'origine de l'espagnol música et du français musique par le biais de l'orthographe et de l'adaptation linguistique, bien que d'autres termes européens soient probablement des emprunts , notamment l'italien musica , l'allemand Musik , le néerlandais muziek , le norvégien musikk , le polonais muzyka et le russe muzïka .

Le monde occidental moderne définit généralement la musique comme un terme englobant des genres, des styles et des traditions divers. Ce n'est pas le cas partout dans le monde, et des langues comme l'indonésien moderne ( musik ) et le shona ( musakazo ) ont récemment adopté des mots reflétant cette conception universelle, car elles ne disposaient pas de termes correspondant exactement à la définition occidentale. Avant le contact avec l'Occident en Asie de l'Est , ni le Japon ni la Chine ne possédaient un mot unique désignant la musique au sens large, mais culturellement, ils la concevaient souvent ainsi. Le mot chinois le plus proche de « musique » , yue , partage un caractère avec le mot le , qui signifie joie, et désignait à l'origine tous les arts avant de se restreindre à ce sens. L'Afrique est trop diverse pour permettre des généralisations définitives, mais le musicologue J.H. Kwabena Nketia a souligné le lien souvent indissociable de la musique africaine avec la danse et la parole en général. Certaines cultures africaines, comme les Songye de la République démocratique du Congo et les Tiv du Nigéria, ont une conception forte et large de la « musique », mais aucun mot correspondant dans leurs langues maternelles. D’autres mots couramment traduits par « musique » ont souvent des significations plus spécifiques dans leurs cultures respectives : le mot hindi pour musique, sangita , désigne proprement la musique savante , tandis que de nombreuses langues autochtones des Amériques possèdent des mots pour musique qui se réfèrent spécifiquement au chant, mais qui décrivent également la musique instrumentale. Bien que le mot arabe musiqi puisse désigner toute musique, il est généralement utilisé pour la musique instrumentale et métrique, tandis que khandan désigne la musique vocale et improvisée.

On s'interroge souvent sur la mesure dans laquelle les origines de la musique seront un jour comprises , et plusieurs théories concurrentes tentent de les expliquer . De nombreux chercheurs soulignent un lien entre l'origine de la musique et celle du langage , et la question de savoir si la musique s'est développée avant, après ou simultanément au langage fait encore débat . Une autre source de controverse concerne la question de savoir si la musique est le résultat intentionnel de la sélection naturelle ou un sous-produit de l'évolution . La première théorie influente a été proposée par Charles Darwin en 1871, qui affirmait que la musique était apparue comme une forme de sélection sexuelle , peut-être par le biais des chants nuptiaux La perspective originale de Darwin a été fortement critiquée pour ses incohérences avec d'autres méthodes de sélection sexuelle , bien que de nombreux chercheurs du XXIe siècle aient développé et promu cette théorie. D'autres théories suggèrent que la musique serait apparue pour aider à organiser le travail, améliorer la communication à longue distance, favoriser la communication avec le divin , contribuer à la cohésion communautaire ou servir de moyen de défense pour effrayer les prédateurs.

La musique préhistorique ne peut être que théorisée à partir des découvertes faites sur les sites archéologiques paléolithiques . La flûte controversée de Divje Babe , un fémur d'ours des cavernes perforé , est vieille d'au moins 40 000 ans, bien que sa nature d' instrument de musique ou d'objet façonné par un animal fasse encore l'objet de nombreux débats. Les objets les plus anciens dont la désignation comme instruments de musique est largement acceptée sont des flûtes en os provenant du Jura souabe , en Allemagne, et plus précisément des grottes de Geissenklösterle , Hohle Fels et Vogelherd . Datées de l' Aurignacien (Paléolithique supérieur) et utilisées par les premiers hommes modernes européens , huit exemplaires ont été découverts dans ces trois grottes : quatre en os d'aile d'oiseau et quatre en ivoire de mammouth ; trois d'entre eux sont presque complets. Trois flûtes de Geissenklösterle sont considérées comme les plus anciennes, datées d'environ 40 000 ans avant notre ère. 43 150–39 370 BP.

Les plus anciens témoignages matériels et représentations d'instruments de musique égyptiens remontent à la période prédynastique , mais leur présence est mieux attestée sous l' Ancien Empire, où l'on jouait de la harpe , de la flûte et de la clarinette double . Les percussions, les lyres et les luths furent ajoutés aux orchestres au Moyen Empire . Les cymbales accompagnaient fréquemment la musique et la danse, comme c'est encore le cas aujourd'hui en Égypte . La musique folklorique égyptienne , notamment les rituels soufis traditionnels du dhikr , est le genre musical contemporain le plus proche de la musique égyptienne antique , dont elle a conservé nombre de caractéristiques, de rythmes et d'instruments.

L'« Hymne hourrite à Nikkal », trouvé sur des tablettes d'argile dans l'ancienne ville syrienne d' Ougarit , est la plus ancienne œuvre musicale notée qui nous soit parvenue, datant d'environ 1400 avant notre ère.

La musique occupait une place importante dans la vie sociale et culturelle de la Grèce antique et figurait parmi les matières principales enseignées aux enfants. L'éducation musicale était considérée comme essentielle au développement de l'âme. Les musiciens et les chanteurs jouaient un rôle prépondérant dans le théâtre grec [ et ceux qui recevaient une éducation musicale étaient perçus comme des nobles, en parfaite harmonie (comme on peut le lire dans la République de Platon ). Des chœurs mixtes se produisaient pour le divertissement, les célébrations et les cérémonies spirituelles aulos , un instrument à anche double , et la lyre , un instrument à cordes pincées , principalement une variété particulière appelée cithare . La musique était un élément fondamental de l'éducation, et les garçons commençaient à l'apprendre dès l'âge de six ans. L'instruction musicale grecque a permis un développement musical significatif. La théorie musicale grecque comprenait les modes musicaux grecs , qui devinrent par la suite la base de la musique religieuse et classique occidentale . Plus tard, les influences de l' Empire romain , de l'Europe de l'Est et de l' Empire byzantin ont transformé la musique grecque. L’ épitaphe de Seikilos est le plus ancien exemple connu d’une composition musicale complète, incluant la notation musicale, provenant du monde entier. Le plus ancien ouvrage connu sur la théorie musicale est l’Harmonika Stoicheia d’ Aristoxène .

La musique asiatique englobe un large éventail de cultures musicales abordées dans les articles consacrés à l'Arabie , à l'Asie centrale , à l'Asie de l'Est , à l'Asie du Sud et à l'Asie du Sud-Est . Ces traditions, dont plusieurs remontent à l'Antiquité, partagent des liens historiques à travers le commerce, la religion et les échanges philosophiques, tout en préservant leurs esthétiques locales et leurs styles d'interprétation uniques.

La musique classique indienne est l'une des plus anciennes traditions musicales au monde. Des sculptures de la civilisation de la vallée de l'Indus représentent des danses et d'anciens instruments de musique, comme la flûte à sept trous. Des instruments à cordes et des tambours ont été retrouvés à Harappa et à Mohenjo-daro lors des fouilles menées par Mortimer Wheeler . Le Rigveda , un ancien texte hindou, contient des éléments de la musique indienne actuelle, avec une notation musicale indiquant le mètre et le mode de chant. La musique classique indienne (marga) est monophonique et repose sur une seule ligne mélodique, ou raga, organisée rythmiquement par des talas . Le poème Cilappatikaram explique comment de nouvelles gammes peuvent être formées par transposition modale de la tonique à partir d'une gamme existante. La musique hindi actuelle a été influencée par la musique traditionnelle persane et par les Moghols afghans . La musique carnatique , populaire dans les États du sud, est principalement dévotionnelle. La plupart des chansons sont adressées aux divinités hindoues. Certaines chansons abordent l'amour et d'autres sujets sociaux.

La musique indonésienne s'est développée depuis la migration de la civilisation de l'âge du bronze vers l' archipel indonésien aux IIe et IIIe siècles avant notre ère. La musique traditionnelle indonésienne utilise des instruments à percussion, notamment le kendang et les gongs . Certaines cultures ont développé des instruments élaborés et distinctifs, tels que le sasando , instrument à cordes de l'île de Rote, l' angklung sundanais et les orchestres de gamelan javanais et balinais , complexes et sophistiqués . L'Indonésie est le berceau du gong chime , terme générique désignant un ensemble de petits gongs en pot aux sonorités aiguës. Les gongs sont généralement disposés par ordre de note, la tête vers le haut, sur une corde fixée à un cadre en bois bas. La forme la plus populaire de musique indonésienne est le gamelan, un ensemble d' instruments à percussion accordés comprenant des métallophones , des tambours , des gongs et des vièles à pique , ainsi que le suling en bambou (semblable à une flûte ).

La musique classique chinoise , art traditionnel ou musique de cour de la Chine, possède une histoire de près de 3 000 ans. Elle se caractérise par des systèmes uniques de notation musicale, d’accordage et de hauteur, d’instruments et de styles ou genres. La musique chinoise est pentatonique - diatonique , avec une gamme de douze notes par octave (5 + 7 = 12), à l’instar des musiques d’influence européenne.

L' ère musicale médiévale (500 à 1400), qui s'étend sur le Moyen Âge , débute avec l'introduction du chant monophonique (à une seule ligne mélodique) dans les offices de l'Église catholique . Si la notation musicale était utilisée depuis l'Antiquité dans la Grèce antique , c'est au Moyen Âge que l'Église catholique l'introduisit pour la première fois, afin de transcrire les mélodies du chant grégorien et d'en faciliter l'utilisation pour la musique religieuse dans tout l'Empire catholique. Le seul répertoire médiéval européen antérieur à 800 qui nous soit parvenu sous forme écrite est le plain- chant liturgique monophonique de l'Église catholique, dont la tradition centrale est le chant grégorien . Parallèlement à ces traditions de musique sacrée et d'église , il existait une riche tradition de chant profane . Parmi les compositeurs de cette période, on peut citer Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut et Walther von der Vogelweide .

La musique de la Renaissance ( env. 1400-1600 ) s'intéressait davantage aux thèmes profanes, comme l'amour courtois . Vers 1450, l' invention de l'imprimerie rendit les partitions imprimées beaucoup moins coûteuses et facilita leur production en masse (avant cette invention, toute la musique notée était copiée à la main). La diffusion accrue des partitions permit une propagation plus rapide et plus étendue des styles musicaux. Musiciens et chanteurs travaillaient souvent pour l'Église, les cours et les villes. Les chœurs des églises prirent de l'ampleur et l'Église demeura un mécène important de la musique. Au milieu du XVe siècle, les compositeurs écrivirent une musique sacrée richement polyphonique, où différentes lignes mélodiques s'entremêlaient simultanément. Parmi les compositeurs les plus importants de cette époque figurent Guillaume Du Fay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley , Orlando di Lasso et Josquin des Prez . À mesure que l'activité musicale se déplaçait de l'Église vers les cours aristocratiques, rois, reines et princes rivalisaient pour s'attacher les services des meilleurs compositeurs. De nombreux compositeurs de renom étaient originaires des Pays-Bas, de Belgique et de France ; on les appelle les compositeurs franco-flamands. Ils occupaient des postes importants dans toute l’Europe, notamment en Italie. L’Allemagne, l’Angleterre et l’Espagne comptaient également parmi les pays connaissant une intense activité musicale.

L'époque baroque en musique s'étend de 1600 à 1750, coïncidant avec l'épanouissement du style artistique baroque en Europe. Le début de cette période est marqué par la composition des premiers opéras . La musique contrapuntique polyphonique (musique comportant des lignes mélodiques distinctes et simultanées ) conserve une place importante. Les compositeurs baroques allemands écrivent pour de petits ensembles comprenant des cordes , des cuivres et des bois , ainsi que pour des chœurs et des instruments à clavier tels que l'orgue , le clavecin et le clavicorde . La complexité musicale s'accroît durant cette période. Plusieurs formes musicales majeures sont créées, dont certaines perdurent et se développent par la suite. Parmi celles-ci figurent la fugue , l' invention , la sonate et le concerto . Le style baroque tardif se caractérise par une polyphonie complexe et une riche ornementation. Parmi les compositeurs importants de l'époque baroque, on peut citer Johann Sebastian Bach ( suites pour violoncelle ), George Frideric Handel ( Le Messie ), Georg Philipp Telemann et Antonio Vivaldi ( Les Quatre Saisons ).

La musique de la période classique (1730 à 1820) visait à imiter ce qui était considéré comme les éléments clés de l'art et de la philosophie de la Grèce et de la Rome antiques : les idéaux d'équilibre, de proportion et d'expression maîtrisée. La musique de cette période présente une texture plus légère, plus claire et considérablement plus simple que la musique baroque qui l'a précédée. Le style principal était l'homophonie , où une mélodie principale et un accompagnement d'accords subordonnés se distinguent nettement. Les mélodies instrumentales classiques tendaient à être presque vocales et chantables. De nouveaux genres se développèrent et le pianoforte , précurseur du piano moderne, remplaça le clavecin et l'orgue baroques comme principal instrument à clavier (bien que l'orgue continuât d'être utilisé dans la musique sacrée, comme les messes).

L'importance de la musique instrumentale était grande . Elle était dominée par le développement des formes musicales initialement définies à l'époque baroque : la sonate , le concerto et la symphonie . Parmi les autres formes importantes figuraient le trio , le quatuor à cordes , la sérénade et le divertimento . La sonate était la forme la plus importante et la plus aboutie. Bien que les compositeurs baroques aient également écrit des sonates, le style classique de la sonate est tout à fait différent. Toutes les principales formes instrumentales de l'époque classique, du quatuor à cordes à la symphonie et au concerto, étaient basées sur la structure de la sonate. Les instruments utilisés en musique de chambre et en orchestre se sont standardisés. Au lieu de la basse continue de l'époque baroque, qui comprenait un clavecin, un orgue ou un luth accompagné de plusieurs instruments graves choisis par le chef d'orchestre (par exemple, la viole, le violoncelle, le théorbe, le serpent), les ensembles de musique de chambre classiques utilisaient des instruments spécifiques et standardisés (par exemple, un quatuor à cordes était interprété par deux violons, un alto et un violoncelle). La pratique du jeu d'accords improvisés par le continuiste ou le joueur de luth, caractéristique de la musique baroque, a connu un déclin progressif entre 1750 et 1800.

L'un des changements les plus importants de la période classique fut le développement des concerts publics. Si l'aristocratie continuait de jouer un rôle significatif dans le mécénat des concerts et des compositions, les compositeurs pouvaient désormais vivre de leur art sans être employés à temps plein par des reines ou des princes. La popularité croissante de la musique classique entraîna une augmentation du nombre et de la diversité des orchestres. L'essor des concerts orchestraux nécessita la construction de vastes salles de spectacle. La musique symphonique, incluant les symphonies, l'accompagnement musical des ballets et les genres mêlant chant et instruments, tels que l'opéra et l'oratorio , gagna en popularité.

Parmi les compositeurs les plus célèbres du classicisme figurent Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven et Franz Schubert . Beethoven et Schubert sont également considérés comme des compositeurs de la fin de l'époque classique, au moment où celle-ci s'oriente vers le romantisme.

La musique romantique ( env. 1820-1900 ), au XIXe siècle, partageait de nombreux points communs avec les styles romantiques de la littérature et de la peinture de l'époque. Le romantisme, mouvement artistique, littéraire et intellectuel, se caractérisait par son insistance sur l'émotion et l'individualisme, ainsi que par la glorification du passé et de la nature. La musique romantique s'affranchissait des styles et des formes rigides de l'époque classique pour proposer des œuvres et des chansons plus passionnées, dramatiques et expressives. Des compositeurs romantiques tels que Wagner et Brahms cherchaient à intensifier l'expression et la puissance émotionnelles de leur musique afin de décrire des vérités profondes ou des sentiments humains. À travers les poèmes symphoniques , les compositeurs s'efforçaient de raconter des histoires et d'évoquer des images ou des paysages grâce à la musique instrumentale. Certains compositeurs promouvaient la fierté nationale avec une musique orchestrale patriotique inspirée du folklore . Les qualités émotionnelles et expressives de la musique finirent par primer sur la tradition.

Les compositeurs romantiques ont affirmé leur singularité et poussé plus loin le syncrétisme en explorant différentes formes d'art dans un contexte musical (littérature, histoire, personnages historiques et légendes, nature elle-même). L'amour romantique , ou le désir ardent, était un thème récurrent dans de nombreuses œuvres composées durant cette période. Dans certains cas, les structures formelles de l'époque classique ont été conservées (par exemple, la forme sonate pour les quatuors à cordes et les symphonies ), mais elles ont été enrichies et transformées. Souvent, de nouvelles approches ont été explorées pour les genres, les formes et les fonctions existants. De plus, de nouvelles formes, jugées mieux adaptées aux nouveaux sujets abordés, ont été créées. Les compositeurs ont continué à développer la musique d'opéra et de ballet, explorant de nouveaux styles et thèmes.

Après 1800, la musique de Ludwig van Beethoven et Franz Schubert introduisit un style plus dramatique et expressif. Chez Beethoven, de courts motifs , développés organiquement, finirent par remplacer la mélodie comme unité compositionnelle principale (on peut citer en exemple le motif caractéristique de quatre notes de sa Cinquième Symphonie ). Plus tard, des compositeurs romantiques tels que Piotr Ilitch Tchaïkovski , Antonín Dvořák et Gustav Mahler utilisèrent des accords plus inhabituels et une dissonance accrue pour créer une tension dramatique. Ils produisirent des œuvres complexes et souvent beaucoup plus longues. À la fin de la période romantique, les compositeurs explorèrent des altérations chromatiques dramatiques de la tonalité , comme les accords enrichis et les accords altérés , créant ainsi de nouvelles « couleurs » sonores. La fin du XIXe siècle fut marquée par une expansion considérable de la taille des orchestres, et la révolution industrielle contribua à la création d'instruments plus performants, produisant un son plus puissant. Les concerts publics devinrent un élément important de la vie culturelle des sociétés urbaines aisées . On a également constaté une nouvelle diversité dans la musique de théâtre , notamment l'opérette , la comédie musicale et d'autres formes de théâtre musical.

Au XIXe siècle, la vente de partitions était un moyen essentiel de faire connaître les nouvelles compositions au public. Les mélomanes amateurs de la classe moyenne les jouaient chez eux, au piano ou sur d'autres instruments courants comme le violon. Au XXe siècle , l'invention de nouvelles technologies électriques, telles que la radiodiffusion et la diffusion à grande échelle des disques, a fait des enregistrements sonores (à la radio ou sur un phonographe) le principal moyen de découvrir de nouvelles chansons et œuvres. L'écoute musicale a connu une forte augmentation avec la popularisation de la radio et l'utilisation des phonographes pour la reproduction et la distribution de la musique ; quiconque possédait une radio ou un phonographe pouvait écouter des opéras, des symphonies et des grands orchestres dans son salon. Au XIXe siècle, la prédominance des partitions limitait l'accès à la musique nouvelle aux classes moyennes et supérieures, qui savaient lire la musique et possédaient un piano et d'autres instruments. La radio et le phonographe ont permis aux personnes à faibles revenus, qui n'avaient pas les moyens d'acheter un billet d'opéra ou de concert, d'écouter cette musique. De plus, les gens pouvaient écouter de la musique provenant de différentes régions du pays, voire de différentes régions du monde, même s’ils n’avaient pas les moyens de se rendre sur place. Cela a contribué à diffuser les styles musicaux.

Au XXe siècle, la musique savante se caractérise par l'exploration de nouveaux rythmes, styles et sonorités. Les horreurs de la Première Guerre mondiale ont profondément marqué les arts, y compris la musique, et les compositeurs se sont tournés vers des sonorités plus sombres et plus âpres. Les styles musicaux traditionnels, tels que le jazz et la musique folklorique, ont servi de source d'inspiration aux compositeurs pour la musique classique. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg et John Cage ont été des compositeurs influents de la musique savante du XXe siècle. L'invention de l'enregistrement sonore et la possibilité de modifier la musique ont donné naissance à de nouveaux sous-genres de musique classique, notamment les écoles acousmatique et de musique concrète . L'enregistrement sonore a joué un rôle majeur dans le développement des genres musicaux populaires, car il a permis une large diffusion des enregistrements de chansons et de groupes. L'introduction du système d'enregistrement multipiste a eu une influence considérable sur le rock , car il offrait bien plus que la simple possibilité d'enregistrer la performance d'un groupe. Grâce à un système multipiste, un groupe et son producteur pouvaient superposer de nombreuses pistes instrumentales et vocales, créant ainsi des sonorités inédites impossibles à reproduire en direct.

Le jazz a évolué et est devenu un genre musical important au cours du XXe siècle, et le rock a connu le même sort dans sa seconde moitié. Le jazz est une forme d'art musical américaine née à la fin du XIXe et au début du XXe siècle au sein des communautés afro-américaines du Sud des États-Unis, de la confluence des traditions musicales africaines et européennes. L'influence ouest-africaine de ce style est manifeste dans l'utilisation des notes bleues , de l'improvisation , des polyrythmies , de la syncope et du swing .

Le rock est un genre de musique populaire apparu dans les années 1950, issu du rock and roll , du rockabilly , du blues et de la country . Le son du rock s'articule souvent autour de la guitare électrique ou acoustique et utilise un rythme puissant , soutenu par une section rythmique . Outre la guitare ou les claviers, le saxophone et l'harmonica blues sont utilisés comme instruments solistes. Dans sa forme la plus pure, il se caractérise par trois accords , un rythme marqué et une mélodie entraînante. La section rythmique traditionnelle de la musique populaire est composée de guitare rythmique, de basse électrique et de batterie. Certains groupes intègrent des instruments à clavier tels que l'orgue, le piano ou, depuis les années 1970, des synthétiseurs analogiques . Dans les années 1980, les musiciens pop ont commencé à utiliser des synthétiseurs numériques, comme le DX-7 , des boîtes à rythmes électroniques telles que la TR-808 , et des synthétiseurs basse (comme le TB-303 ) ou des claviers basse synthétisés . Dans les années 1990, l'utilisation d'une gamme de plus en plus large d'instruments et de logiciels de musique informatisés (par exemple, les stations de travail audio numériques ) s'est développée. Dans les années 2020, les synthétiseurs virtuels et les applications musicales permettent aux producteurs amateurs de créer et d'enregistrer chez eux des styles de musique, comme la musique électronique , en ajoutant des instruments numériques et échantillonnés et en éditant l'enregistrement numériquement. Dans les années 1990, des groupes de genres tels que le nu metal ont commencé à intégrer des DJ à leur formation. Les DJ créent de la musique en manipulant des enregistrements à l'aide d'une table de mixage .

La « composition » est l’acte de créer une chanson, une pièce de musique instrumentale , une œuvre pour chant et instruments, ou tout autre type de musique. Dans de nombreuses cultures, y compris la musique classique occidentale, composer inclut également la création d’une notation musicale , telle qu’une partition , qui est ensuite interprétée par le compositeur ou par d’autres chanteurs ou musiciens. Dans la musique populaire et la musique traditionnelle, la composition, généralement appelée écriture de chansons, peut impliquer la création d’une structure de base, appelée grille d’accords , qui présente la mélodie , les paroles et la progression d’accords . En musique classique, le compositeur orchestre généralement ses propres compositions, mais dans le théâtre musical et la musique pop, les auteurs-compositeurs peuvent faire appel à un arrangeur. Dans certains cas, les auteurs-compositeurs n’utilisent aucune notation et composent la chanson mentalement, puis la jouent ou l’enregistrent de mémoire. Dans le jazz et la musique populaire, les enregistrements marquants d’artistes influents ont la même valeur que les partitions écrites en musique classique.

Même lorsque la musique est notée avec une relative précision, comme en musique classique, de nombreuses décisions restent à prendre pour l'interprète, car la notation ne spécifie pas tous les éléments musicaux avec exactitude. Le processus consistant à décider comment interpréter une œuvre musicale préalablement composée et notée est appelé « interprétation ». Les interprétations d'une même œuvre musicale peuvent varier considérablement d'un interprète à l'autre, notamment en ce qui concerne le tempo choisi, le style de jeu ou de chant, ou encore le phrasé des mélodies. Les compositeurs et les auteurs-compositeurs qui présentent leur propre musique interprètent leurs œuvres, au même titre que ceux qui interprètent la musique d'autrui. L'ensemble des choix et des techniques standard en vigueur à un moment et dans un lieu donnés est appelé pratique d'interprétation , tandis que le terme « interprétation » désigne généralement les choix individuels de l'interprète.

Bien qu'une composition musicale utilise souvent la notation musicale et soit l'œuvre d'un seul auteur, ce n'est pas toujours le cas. Une œuvre musicale peut avoir plusieurs compositeurs, comme c'est souvent le cas dans la musique populaire lorsqu'un groupe collabore à l'écriture d'une chanson, ou dans le théâtre musical, où une personne écrit les mélodies, une autre les paroles et une troisième l'orchestration. Dans certains styles musicaux, tels que le blues , un compositeur peut créer, interpréter et enregistrer de nouvelles chansons ou pièces sans jamais les noter musicalement. Une œuvre musicale peut également être composée à l'aide de mots, d'images ou de programmes informatiques qui expliquent ou notent comment le chanteur ou le musicien doit produire des sons. On peut citer comme exemples la musique d'avant-garde utilisant la notation graphique , les compositions textuelles telles que « Aus den sieben Tagen » (Les sept jours de la vie) , ou encore les programmes informatiques qui sélectionnent des sons pour des morceaux de musique. La musique qui fait un usage important du hasard et l'aléatoire est appelée musique aléatoire [ et est associée à des compositeurs contemporains actifs au XXe siècle, tels que John Cage , Morton Feldman et Witold Lutosławski . Un exemple courant de musique basée sur le hasard est le tintement des carillons éoliens dans la brise.

L'étude de la composition a traditionnellement été dominée par l'examen des méthodes et des pratiques de la musique classique occidentale, mais la définition de la composition est suffisamment large pour inclure la création de musique populaire et de chansons et de pièces instrumentales traditionnelles , ainsi que des œuvres improvisées spontanément comme celles des interprètes de free jazz et des percussionnistes africains tels que les batteurs Ewe .

L'interprétation est l'expression physique de la musique, qui se produit lorsqu'un morceau est chanté ou joué. En musique classique, une œuvre est écrite en notation musicale par un compositeur, puis interprétée une fois que celui-ci est satisfait de sa structure et de son instrumentation. Cependant, lors de son exécution, l'interprétation d'un morceau peut évoluer et se modifier. En musique classique, les instrumentistes, les chanteurs ou les chefs d'orchestre peuvent progressivement modifier le phrasé ou le tempo d'une pièce. En musique populaire et traditionnelle, les interprètes ont plus de liberté pour modifier la forme d'un morceau. Ainsi, dans les styles de musique populaire et traditionnelle, même lorsqu'un groupe joue une reprise , il peut y apporter des modifications telles que l'ajout d'un solo de guitare ou l'insertion d'une introduction.

Une performance peut être soit préparée et répétée (travaillée) – ce qui est la norme en musique classique, dans les big bands de jazz et dans de nombreux styles de musique populaire – soit improvisée sur une progression d'accords (une suite d'accords), ce qui est la norme dans les petits groupes de jazz et de blues . Les répétitions d'orchestres, d'harmonies et de chœurs sont dirigées par un chef d'orchestre. Les groupes de rock, de blues et de jazz sont généralement dirigés par le leader de l'orchestre. Une répétition est une répétition structurée d'un morceau par les interprètes jusqu'à ce qu'ils puissent le chanter ou le jouer correctement et, s'il s'agit d'un morceau pour plusieurs musiciens, jusqu'à ce que les parties soient parfaitement synchronisées et accordées.

De nombreuses cultures possèdent de fortes traditions de performance en solo (où un chanteur ou un instrumentiste se produit), comme dans la musique classique indienne et la tradition de la musique savante occidentale. D'autres cultures, comme à Bali , ont de fortes traditions de performance collective. Toutes les cultures mêlent les deux, et les performances peuvent aller du jeu solo improvisé à des spectacles très planifiés et organisés, tels que les concerts de musique classique contemporaine, les processions religieuses, les festivals de musique classique ou les concours musicaux . La musique de chambre , qui est une musique pour un petit ensemble ne comportant qu'un ou quelques instruments de chaque type, est souvent considérée comme plus intime que les grandes œuvres symphoniques.

L'improvisation musicale est la création de musique spontanée, souvent à partir d'une structure harmonique, d' une progression d'accords ou de riffs préexistants . Les improvisateurs utilisent les notes de l'accord, les différentes gammes associées à chaque accord, ainsi que des ornements chromatiques et des notes de passage qui peuvent ne pas appartenir à l'accord ni aux gammes typiques qui lui sont associées. L'improvisation musicale peut se faire avec ou sans préparation. Elle constitue une part importante de certains genres musicaux, comme le blues , le jazz et le jazz fusion , où les instrumentistes improvisent des solos, des lignes mélodiques et des parties d'accompagnement.

Dans la tradition musicale occidentale, l'improvisation était une compétence essentielle tant à l'époque baroque qu'à l'époque classique. À l'époque baroque, les interprètes improvisaient des ornements, et les bassistes improvisaient des enchaînements d'accords à partir de la notation de la basse chiffrée . De même, les solistes les plus renommés devaient être capables d'improviser des pièces telles que des préludes . À l'époque classique, les solistes et les chanteurs improvisaient des cadences virtuoses lors des concerts.

Cependant, au XXe et au début du XXIe siècle, avec l'institutionnalisation de l'interprétation de la musique savante occidentale au sein des orchestres symphoniques, des opéras et des ballets, l'improvisation a perdu de son importance, la musique étant de plus en plus souvent notée en partitions et en parties séparées. Parallèlement, certains compositeurs de musique savante des XXe et XXIe siècles ont progressivement intégré l'improvisation à leur travail. Dans la musique classique indienne , l'improvisation est une composante essentielle et un critère fondamental d'interprétation.

La musique est composée et interprétée à de nombreuses fins, allant du plaisir esthétique aux cérémonies religieuses ou rituelles, en passant par le divertissement. À l'époque classique et romantique, où la musique n'était disponible que sous forme de partitions , les mélomanes achetaient les partitions de leurs morceaux et chansons préférés pour les jouer chez eux au piano. Avec l'avènement du phonographe , les disques de chansons populaires sont devenus le principal moyen d'écouter ses morceaux favoris. Dans les années 1980 , l'arrivée des magnétophones domestiques, puis dans les années 1990 , a permis aux mélomanes d'enregistrer des cassettes ou des listes de lecture de leurs chansons préférées et de les emporter avec eux sur un lecteur de cassettes portable ou un lecteur MP3. Certains mélomanes créent des compilations de leurs chansons préférées, qui constituent un « autoportrait, un geste d'amitié, la recette d'une fête idéale… [et] un univers composé uniquement de ce qu'ils aiment le plus ».

Les musiciens amateurs peuvent composer ou interpréter de la musique pour leur propre plaisir et en tirer des revenus par d'autres moyens. Les musiciens professionnels sont employés par des institutions et des organisations, notamment les forces armées (au sein de fanfares , d' orchestres d'harmonie et de groupes de musique populaire), les institutions religieuses, les orchestres symphoniques, les sociétés de production audiovisuelle ou cinématographique et les écoles de musique . Les musiciens professionnels travaillent parfois comme indépendants ou musiciens de studio , recherchant des contrats et des engagements dans divers contextes. Il existe souvent de nombreux liens entre musiciens amateurs et professionnels. Les musiciens amateurs débutants prennent des cours avec des musiciens professionnels. Au sein de la communauté, les musiciens amateurs confirmés jouent avec des musiciens professionnels dans divers ensembles tels que les orchestres d'harmonie et les orchestres communautaires.

On distingue souvent la musique jouée en public et celle enregistrée en studio pour être diffusée par le biais du commerce de la musique ou des médias audiovisuels. Cependant, il arrive fréquemment que des concerts en public soient également enregistrés et diffusés. Les enregistrements de concerts sont populaires aussi bien dans la musique classique que dans les genres populaires comme le rock, où les enregistrements illégaux sont très recherchés par les mélomanes. Dans le milieu des jam bands , les sessions d' improvisation en direct sont privilégiées par rapport aux enregistrements en studio.

La notation musicale désigne généralement l'expression écrite des notes et des rythmes sur une partition à l'aide de symboles. Lorsqu'une musique est écrite, les hauteurs et le rythme, comme les notes d'une mélodie , sont notés. La notation musicale fournit souvent des indications sur la manière d'interpréter la musique. Par exemple, la partition d'une chanson peut indiquer qu'il s'agit d'un « blues lent » ou d'un « swing rapide », ce qui précise le tempo et le genre. Pour lire une partition, il est nécessaire de maîtriser le solfège , l'harmonie et les règles d'interprétation propres au genre d'une chanson ou d'un morceau.

La notation musicale varie selon le style et l'époque. De nos jours, la musique notée est produite sous forme de partitions ou, pour les personnes disposant de logiciels de notation musicale , sous forme d'image sur un écran d'ordinateur . Dans l'Antiquité, la notation musicale était gravée sur des tablettes de pierre ou d'argile. Pour interpréter un morceau à partir d'une notation, un chanteur ou un instrumentiste doit comprendre les éléments rythmiques et mélodiques représentés par les symboles, ainsi que les pratiques d'interprétation propres à une œuvre ou à un genre musical. Dans les genres nécessitant une improvisation musicale , l'interprète joue souvent à partir d'une partition où seuls les changements d'accords et la structure du morceau sont écrits, ce qui exige de sa part une excellente compréhension de la structure musicale, de l'harmonie et des styles propres à un genre particulier, comme le jazz ou la country .

Dans la musique savante occidentale, les notations écrites les plus courantes sont la partition, qui comprend toutes les parties musicales d'une œuvre d'ensemble, et les parties, qui correspondent à la notation musicale des différents interprètes ou chanteurs. Dans la musique populaire, le jazz et le blues, la notation musicale standard est la grille d'accords , qui indique la mélodie, les accords, les paroles (s'il s'agit d'une pièce vocale) et la structure de la musique. On utilise également des recueils de partitions (fake books) en jazz ; ils peuvent contenir des grilles d'accords ou simplement des grilles d'accords, permettant aux membres de la section rythmique d'improviser un accompagnement . Partitions et parties sont aussi utilisées dans la musique populaire et le jazz, notamment dans les grands ensembles comme les big bands . En musique populaire, les guitaristes et les bassistes électriques lisent souvent la musique notée en tablature (souvent abrégée en « tab »), qui indique l'emplacement des notes à jouer sur l'instrument à l'aide d'un schéma du manche de la guitare ou de la basse. La tablature était utilisée à l'époque baroque pour noter la musique du luth , un instrument à cordes frettées.

De nombreux genres musicaux, comme le blues traditionnel et la musique folklorique, n'étaient pas notés sur des partitions ; ils étaient initialement transmis oralement , de musicien ou chanteur à chanteur, ou encore par apprentissage « à l'oreille ». Lorsque le compositeur d'une chanson ou d'un morceau est inconnu, cette musique est souvent qualifiée de « traditionnelle » ou de « chant folklorique ». Les différentes traditions musicales adoptent des attitudes variées quant à la modification du matériau d'origine, allant d'une grande rigueur à une plus grande liberté d'improvisation ou de modification. L'histoire et les récits d'une culture peuvent également se transmettre oralement par le chant.

La musique possède de nombreux éléments fondamentaux. Selon la définition du terme « élément », il peut s'agir de la hauteur, du rythme, du tempo, de la mélodie, de l'harmonie, de la texture, du style, de la répartition des voix, du timbre, de la dynamique, de l'expression, de l'articulation, de la forme et de la structure. Ces éléments occupent une place importante dans les programmes d'enseignement musical en Australie, au Royaume-Uni et aux États-Unis. Si ces trois pays reconnaissent la hauteur, la dynamique, le timbre et la texture comme des éléments, les autres éléments identifiés font loin de faire l'objet d'un consensus. Vous trouverez ci-dessous la liste des trois versions officielles des « éléments de la musique » :

• Australie : hauteur, timbre, texture, dynamique et expression, rythme, forme et structure.
• Royaume-Uni : hauteur, timbre, texture, dynamique, durée, tempo, structure.
• États-Unis : hauteur, timbre, texture, dynamique, rythme, forme, harmonie, style/articulation.

En ce qui concerne le programme scolaire britannique, en 2013, l’expression « notations musicales appropriées » a été ajoutée à la liste des éléments et le titre de cette liste a été modifié, passant de « éléments de la musique » à « dimensions interdépendantes de la musique ». Ces dimensions interdépendantes sont les suivantes : hauteur, durée, dynamique, tempo, timbre, texture, structure et notations musicales appropriées.

L’expression « les éléments de la musique » est utilisée dans de nombreux contextes différents. Les deux contextes les plus courants peuvent être différenciés en les décrivant comme les « éléments rudimentaires de la musique » et les « éléments perceptifs de la musique ».

La hauteur est un aspect audible d'un son, indiquant si un son, une note ou un ton musical est plus aigu ou plus grave qu'un autre. On peut parler de hauteur au sens général, comme lorsqu'un auditeur perçoit une note aiguë de piccolo ou un sifflement comme plus aigu qu'un coup de grosse caisse . On parle aussi de hauteur au sens précis associé aux mélodies , aux lignes de basse et aux accords . La hauteur précise ne peut être déterminée que pour les sons dont la fréquence est suffisamment claire et stable pour être distinguée du bruit. Par exemple, il est beaucoup plus facile de discerner la hauteur d'une note de piano que celle d'une cymbale frappée .

Une mélodie, aussi appelée « air », est une suite de notes jouées successivement, souvent selon un schéma ascendant et descendant. Les notes d'une mélodie sont généralement créées à l'aide de systèmes de hauteurs tels que les gammes ou les modes . Les mélodies contiennent aussi souvent des notes issues des accords utilisés dans le morceau. Les mélodies des chansons folkloriques simples et des chansons traditionnelles peuvent n'utiliser que les notes d'une seule gamme, celle associée à la tonique du morceau. Par exemple, une chanson folklorique en do majeur peut avoir une mélodie utilisant uniquement les notes de la gamme de do majeur (les notes do, ré, mi, fa, sol, la, si et do ; ce sont les « touches blanches » d'un piano). En revanche, le jazz bebop des années 1940 et la musique contemporaine des XXe et XXIe siècles peuvent utiliser des mélodies avec de nombreuses notes chromatiques (c'est-à-dire des notes en plus de celles de la gamme majeure ; au piano, une gamme chromatique comprend toutes les notes du clavier, y compris les « touches blanches » et les « touches noires », ainsi que des gammes inhabituelles, comme la gamme par tons (une gamme par tons en do majeur contient les notes do, ré, mi, fa♯ , sol♯ et la♯ ) ). Une ligne mélodique grave jouée par des instruments de basse, comme la contrebasse, la basse électrique ou le tuba , est appelée ligne de basse .

L'harmonie désigne la superposition verticale des hauteurs de son en musique, c'est-à-dire les notes jouées ou chantées simultanément qui forment un accord . Généralement, cela signifie que les notes sont jouées en même temps, bien que l'harmonie puisse aussi être suggérée par une mélodie qui dessine une structure harmonique (par exemple, en utilisant des notes mélodiques jouées successivement, soulignant les notes d'un accord). Dans la musique écrite selon le système de tonalité majeure-mineure (« tonalités »), qui comprend la majeure partie de la musique classique composée entre 1600 et 1900 et la plupart des musiques pop, rock et traditionnelles occidentales, la tonalité d'un morceau détermine la note fondamentale (ou tonique ) vers laquelle le morceau se résout généralement, ainsi que le caractère (majeur ou mineur) de la gamme utilisée. Les morceaux classiques simples et de nombreuses chansons pop et traditionnelles sont écrits dans une seule tonalité. Les morceaux et chansons classiques, pop et traditionnelles plus complexes peuvent comporter deux tonalités (et dans certains cas trois, voire plus). La musique classique de l'époque romantique (écrite entre 1820 et 1900 environ) contient souvent plusieurs tonalités, tout comme le jazz , en particulier le jazz bebop des années 1940, dans lequel la tonalité ou « note fondamentale » d'une chanson peut changer toutes les quatre mesures, voire toutes les deux mesures.

Le rythme est l'agencement des sons et des silences dans le temps. La métrique anime le temps par groupes de pulsations régulières, appelés mesures , qui, dans la musique classique, populaire et traditionnelle occidentale, regroupent souvent les notes par paires (par exemple, à 2/4), par groupes de trois (par exemple, à 3/4, également appelé mesure de valse ou mesure à 3/8) ou par groupes de quatre (par exemple, à 4/4). Les mesures sont plus faciles à percevoir car les chansons et les morceaux mettent souvent (mais pas toujours) l'accent sur le premier temps de chaque groupe. Il existe des exceptions notables, comme le contretemps utilisé dans une grande partie de la pop et du rock occidentaux, où une chanson utilisant une mesure à quatre temps (appelée mesure à 4/4 ou mesure à quatre temps ) aura des accents sur les temps deux et quatre, généralement joués par le batteur sur la caisse claire , un instrument de percussion puissant et au son distinctif. Dans la pop et le rock, les parties rythmiques d'une chanson sont jouées par la section rythmique , qui comprend des instruments jouant des accords (par exemple, guitare électrique, guitare acoustique, piano ou autres instruments à clavier), un instrument de basse (généralement une basse électrique ou, pour certains styles comme le jazz et le bluegrass , une contrebasse) et un batteur.

La texture musicale désigne le son global d'une œuvre musicale ou d'une chanson. Elle est déterminée par la manière dont les éléments mélodiques, rythmiques et harmoniques sont combinés au sein d'une composition, définissant ainsi la nature sonore générale de l'œuvre. La texture est souvent décrite en fonction de sa densité (ou épaisseur) et de son étendue (ou largeur) entre les notes les plus graves et les plus aiguës, de manière relative, mais aussi plus précisément selon le nombre de voix (ou parties) et leurs relations (voir les types courants ci-dessous). Par exemple, une texture dense comprend de nombreuses « couches » d'instruments. Une couche peut être constituée d'une section de cordes ou d'une autre section de cuivres. L'épaisseur est influencée par le nombre et la richesse des instruments. La texture est généralement décrite selon le nombre de parties ou de lignes musicales et leurs relations :

• Monophonie : une seule mélodie (ou « air ») sans accompagnement instrumental ni harmonie . Une mère chantant une berceuse à son bébé en est un exemple.
• Hétérophonie : deux instruments ou plus, ou des chanteurs, jouent/chantent la même mélodie, mais chaque interprète en varie légèrement le rythme ou le tempo, ou y ajoute des ornements différents . Deux violonistes de bluegrass jouant ensemble le même air traditionnel de violon varieront généralement la mélodie chacun dans une certaine mesure et ajouteront chacun des ornements différents.
• La polyphonie désigne l'entrelacement de plusieurs lignes mélodiques indépendantes, chantées ou jouées simultanément. La musique chorale de la Renaissance était généralement écrite dans ce style. Un canon , comme « Row, Row, Row Your Boat », où différents groupes de chanteurs entonnent le chant à tour de rôle, est un exemple de polyphonie.
• Homophonie : une mélodie claire soutenue par un accompagnement d’accords . La plupart des chansons populaires occidentales du XIXe siècle à nos jours sont écrites dans cette structure.

On dit généralement qu'une musique comportant un grand nombre de parties indépendantes (par exemple, un double concerto accompagné de 100 instruments d'orchestre avec de nombreuses lignes mélodiques entrelacées) possède une texture « plus épaisse » ou « plus dense » qu'une œuvre comportant peu de parties (par exemple, une mélodie de flûte solo accompagnée d'un seul violoncelle).

Le timbre, parfois appelé « couleur » ou « timbre sonore », désigne la qualité ou le son d'une voix ou d'un instrument. Le timbre est ce qui distingue un son musical d'un autre, même s'ils ont la même hauteur et la même intensité. Par exemple, un la à 440 Hz sonne différemment selon qu'il est joué au hautbois , au piano, au violon ou à la guitare électrique. Même si différents instrumentistes jouent la même note, le son peut varier en raison de différences de technique (par exemple, différentes embouchures ), d'accessoires (par exemple, embouchures pour les cuivres, anches pour le hautbois et le basson) ou de cordes (par exemple, cordes en boyau ou en acier ). Deux instrumentistes jouant la même note sur le même instrument (l'un après l'autre) peuvent également produire des sons différents selon leur façon de jouer (par exemple, deux instrumentistes à cordes peuvent tenir l'archet différemment).

Les caractéristiques physiques du son qui déterminent la perception du timbre comprennent le spectre , l'enveloppe et les harmoniques d'une note ou d'un son musical. Pour les instruments électriques développés au XXe siècle, tels que la guitare électrique, la basse électrique et le piano électrique , l'interprète peut également modifier la sonorité en ajustant l'égaliseur , les commandes de tonalité de l'instrument et en utilisant des effets électroniques comme les pédales de distorsion . La sonorité de l' orgue Hammond électrique est contrôlée par le réglage des tirettes .

Les qualités expressives sont les éléments musicaux qui créent des variations sans modifier les hauteurs principales ni le rythme de la mélodie et de son accompagnement. Les interprètes, chanteurs et instrumentistes compris, peuvent enrichir l'expression musicale d'un morceau en jouant sur le phrasé , en ajoutant des effets comme le vibrato (pour la voix et certains instruments tels que la guitare, le violon, les cuivres et les bois), la dynamique (l'intensité sonore d'un morceau ou d'une section), les fluctuations de tempo (par exemple, le ritardando ou l'accelerando , qui consistent respectivement à ralentir et à accélérer le tempo), en ajoutant des pauses ou des points d'orgue sur une cadence , et en modifiant l'articulation des notes (par exemple, en accentuant certaines notes, en les rendant plus legato , c'est-à-dire plus fluides, ou en les raccourcissant).

L'expression s'obtient par la manipulation de la hauteur (inflexion, vibrato, glissandos, etc.), du volume (dynamique, accentuation, trémolo, etc.), de la durée (fluctuations du tempo, changements rythmiques, variations de la durée des notes comme avec le legato et le staccato, etc.), du timbre (par exemple, passage d'un timbre vocal léger à un timbre résonnant), et parfois même de la texture (par exemple, doubler la note de basse pour un effet plus riche dans une pièce pour piano). L'expression peut donc être perçue comme une manipulation de tous ces éléments pour transmettre « une indication d'humeur, d'esprit, de caractère, etc. » et, à ce titre, ne peut être considérée comme un élément perceptif unique de la musique , bien qu'elle puisse être considérée comme un élément rudimentaire important de celle-ci.

En musique, la forme décrit la structure générale d'une chanson ou d'une œuvre musicale et son organisation en sections . Au début du XXe siècle, les chansons de Tin Pan Alley et des comédies musicales de Broadway étaient souvent de forme AABA à trente-deux mesures : la section A répétait la même mélodie de huit mesures (avec des variations) et la section B proposait une mélodie ou une harmonie contrastante pendant huit mesures. À partir des années 1960, les chansons pop et rock occidentales sont souvent de forme couplet-refrain , composée d'une succession de couplets et de refrains , avec des paroles inédites pour la plupart des couplets et des paroles répétées pour les refrains. La musique populaire utilise fréquemment la forme strophique , parfois associée au blues à douze mesures .

Dans la dixième édition de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes définit la forme musicale comme « une série de stratégies conçues pour trouver un juste milieu entre les extrêmes opposés de la répétition ininterrompue et de l'altération ininterrompue ». Parmi les exemples de formes courantes de la musique occidentale, on peut citer la fugue , l' invention , la sonate-allegro , le canon , la strophique , le thème et variations et le rondo .

Scholes affirme que la musique classique européenne ne comportait que six formes autonomes : binaire simple, ternaire simple, binaire composé, rondo, air avec variations et fugue (bien que le musicologue Alfred Mann ait souligné que la fugue est avant tout une méthode de composition qui a parfois adopté certaines conventions structurelles. )

Lorsqu'une œuvre ne peut être facilement divisée en sections (même si elle peut emprunter une forme à un poème, un récit ou un programme ), on dit qu'elle est d'une seule pièce . C'est souvent le cas d'une fantaisie , d'un prélude , d'une rhapsodie , d'une étude , d' un poème symphonique , d'une bagatelle , d'un impromptu ou d'une composition similaire. Le professeur Charles Keil a classé les formes et les détails formels en trois catégories : « sectionnels, développementaux ou variationnels ».

La philosophie de la musique est l'étude des questions fondamentales relatives à la musique et entretient des liens avec des questions de métaphysique et d'esthétique . Ces questions incluent :

• Qu’est-ce que la définition de la musique ? (Quelles sont les conditions nécessaires et suffisantes pour classer quelque chose comme musique ?)
• Quel est le lien entre la musique et l'esprit ?
• Que nous révèle l'histoire de la musique sur le monde ?
• Quel est le lien entre la musique et les émotions ?
• Que signifie le sens en relation avec la musique ?

Dans l'Antiquité, notamment chez les Grecs anciens , l' esthétique musicale explorait les dimensions mathématiques et cosmologiques de l' organisation rythmique et harmonique. Au XVIIIe siècle, l'attention s'est portée sur l'expérience auditive de la musique, et donc sur les questions de beauté et de plaisir qu'elle procure . L'origine de ce changement philosophique est parfois attribuée à Alexander Gottlieb Baumgarten au XVIIIe siècle, puis à Emmanuel Kant . C'est par leurs écrits que le terme antique « esthétique », désignant la perception sensorielle , a acquis son sens actuel. Dans les années 2000, les philosophes ont eu tendance à privilégier d'autres aspects que la beauté et le plaisir. Par exemple, la capacité de la musique à exprimer des émotions a été mise en avant.

Au XXe siècle, Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton et Stephen Davies ont apporté d'importantes contributions . Cependant, de nombreux musiciens, critiques musicaux et autres non-philosophes ont également contribué à l'esthétique musicale. Au XIXe siècle, un débat majeur a opposé Eduard Hanslick , critique et musicologue , au compositeur Richard Wagner quant à la capacité de la musique à exprimer du sens. Harry Partch et d'autres musicologues , comme Kyle Gann , ont étudié et tenté de populariser la musique microtonale et l'utilisation de gammes musicales alternatives . Des compositeurs modernes tels que La Monte Young , Rhys Chatham et Glenn Branca se sont particulièrement intéressés à la gamme dite de la justesse naturelle .

On considère souvent que la musique a le pouvoir d'influencer nos émotions , notre intellect et notre psychologie ; elle peut apaiser notre solitude ou attiser nos passions. Platon suggère dans La République que la musique a un effet direct sur l'âme. C'est pourquoi il propose que, dans un régime idéal, la musique soit étroitement réglementée par l'État (Livre VII). Dans la Chine ancienne, Confucius croyait que la musique et les rituels étaient interdépendants et en harmonie avec la nature ; il affirmait que la musique était l'harmonisation du ciel et de la terre, tandis que l'ordre était instauré par l'ordre des rites, ce qui en faisait des fonctions extrêmement cruciales dans la société.

La psychologie musicale moderne vise à expliquer et à comprendre le comportement et l'expérience musicaux. Les recherches dans ce domaine et ses sous-domaines sont principalement empiriques ; les connaissances progressent généralement grâce à l'interprétation de données recueillies par l'observation systématique et l'interaction avec des participants humains. Outre son intérêt pour les perceptions fondamentales et les processus cognitifs, la psychologie musicale est un champ de recherche présentant un intérêt pratique pour de nombreux domaines, tels que l'interprétation musicale , la composition , l'éducation musicale , la critique musicale et la thérapie , ainsi que pour l'étude des aptitudes, des compétences, de l'intelligence, de la créativité et du comportement social humains.

Les neurosciences cognitives de la musique étudient scientifiquement les mécanismes cérébraux impliqués dans les processus cognitifs sous-jacents à la musique. Ces processus incluent l'écoute, l'interprétation, la composition, la lecture, l'écriture musicale et les activités connexes. Ce domaine s'intéresse également de plus en plus aux bases cérébrales de l'esthétique et de l'émotion musicales. Il se caractérise par son recours à l'observation directe du cerveau, grâce à des techniques telles que l'imagerie par résonance magnétique fonctionnelle (IRMf), la stimulation magnétique transcrânienne (SMT), la magnétoencéphalographie (MEG), l'électroencéphalographie (EEG) et la tomographie par émission de positons (TEP).

La musicologie cognitive est une branche des sciences cognitives qui s'intéresse à la modélisation informatique des connaissances musicales dans le but de comprendre à la fois la musique et la cognition. L'utilisation de modèles informatiques offre un moyen précis et interactif de formuler et de tester des théories et trouve ses racines dans l'intelligence artificielle et les sciences cognitives .

La musicologie cognitive étudie des sujets tels que les parallèles entre le langage et la musique au niveau cérébral. Les recherches s'appuient souvent sur des modèles de calcul bio-inspirés, comme les réseaux de neurones et les programmes évolutionnaires. Ce domaine vise à modéliser la manière dont les connaissances musicales sont représentées, stockées, perçues, interprétées et générées. Grâce à un environnement informatique structuré, il est possible d'étudier les structures systématiques de ces phénomènes cognitifs.

La psychoacoustique est l'étude scientifique de la perception sonore. Plus précisément, c'est la branche de la science qui étudie les réponses psychologiques et physiologiques associées au son (y compris la parole et la musique). Elle peut être classée comme une branche de la psychophysique .

La musicologie évolutionniste s'intéresse aux origines de la musique, à la question du chant animal, aux pressions de sélection sous-jacentes à l'évolution musicale, ainsi qu'à l'évolution de la musique et à l'évolution humaine . Elle cherche à comprendre la perception et la pratique musicales dans le contexte de la théorie de l'évolution . Charles Darwin a émis l'hypothèse que la musique aurait pu présenter un avantage adaptatif et fonctionner comme un proto-langage [ une idée qui a donné naissance à plusieurs théories concurrentes de l'évolution musicale . Une autre perspective considère la musique comme un sous-produit de l'évolution linguistique ; une sorte de « plaisir auditif » qui flatte les sens sans pour autant remplir de fonction adaptative . Cette conception a été directement contestée par de nombreux chercheurs en musique

La culture ou l'appartenance ethnique d'un individu influence sa cognition musicale , notamment ses préférences , ses réactions émotionnelles et sa mémoire musicale . Dès la petite enfance, les préférences musicales sont orientées vers les traditions musicales culturellement familières, et la classification émotionnelle d'une œuvre musicale par les adultes dépend de caractéristiques structurelles à la fois spécifiques et universelles à chaque culture. De plus, les capacités de mémorisation musicale sont plus importantes pour la musique culturellement familière que pour la musique culturellement étrangère.

Depuis l'émergence de la psychoacoustique dans les années 1930, la plupart des listes d'éléments musicaux se sont davantage intéressées à la manière dont nous percevons la musique qu'à la façon dont nous l'apprenons à jouer ou à l'étudier. C.E. Seashore, dans son ouvrage *Psychology of Music * , a identifié quatre « attributs psychologiques du son » : la hauteur, l'intensité, le temps et le timbre (p. 3). Il ne les a pas qualifiés d'« éléments de la musique », mais de « composantes élémentaires » (p. 2). Or, ces composantes élémentaires correspondent précisément à quatre des éléments musicaux les plus courants : la hauteur et le timbre sont parfaitement liés, l'intensité est liée à la dynamique et le temps est lié aux éléments temporels que sont le rythme, la durée et le tempo. Cette utilisation de l'expression « les éléments de la musique » se rapproche davantage de la définition d'un élément dans le dictionnaire Webster's New 20th Century Dictionary comme : « une substance qui ne peut être divisée en une forme plus simple par des méthodes connues » et les listes d'éléments des institutions éducatives s'alignent généralement également sur cette définition.

Bien que les auteurs de listes d'« éléments rudimentaires de la musique » puissent les adapter à leurs priorités personnelles (ou institutionnelles), les éléments perceptifs de la musique devraient constituer une liste établie (ou éprouvée) d'éléments distincts, manipulables indépendamment pour produire l'effet musical recherché. Il semble qu'à ce stade, des recherches supplémentaires soient nécessaires dans ce domaine.

Une approche légèrement différente de l’identification des éléments de la musique consiste à identifier les « éléments du son » comme : hauteur , durée , intensité , timbre , texture sonore et localisation spatiale , puis à définir les « éléments de la musique » comme : son, structure et intention artistique.

Les études ethnographiques démontrent que la musique est une activité participative et communautaire. Les individus vivent la musique dans divers contextes sociaux, que ce soit en solitaire ou lors de grands concerts, formant ainsi une communauté musicale . Cette communauté ne peut être réduite à la seule volonté individuelle ou au hasard ; elle rassemble des participants, qu’ils soient professionnels ou amateurs, partageant des valeurs communes. Les pratiques musicales se manifestent sous différentes formes selon les cultures et les milieux socio-économiques.

En Europe et en Amérique du Nord, une distinction existait entre les genres musicaux considérés comme relevant de la « haute culture » et ceux relevant de la « culture populaire ». La « haute culture » englobait les symphonies, concertos et œuvres solistes baroques, classiques, romantiques et modernes, généralement joués lors de concerts formels dans des salles de concert et des églises, où le public écoute en silence. D'autres genres musicaux, tels que le jazz, le blues, la soul et la country , étaient souvent interprétés dans les bars, les boîtes de nuit et les théâtres, où le public pouvait boire, danser et applaudir. Jusqu'au XXe siècle, la division entre les formes musicales « savantes » et « populaires » était acceptée comme une distinction valable, séparant la « musique savante » de la musique populaire jouée dans les bars et les salles de danse. Des musicologues, comme David Brackett, notent un « redéfinition des frontières culturelles et esthétiques entre haute et basse culture » au XXe siècle. Et, « lorsque l'industrie et les discours publics associent des catégories musicales à des catégories de personnes, ils ont tendance à confondre stéréotypes et communautés d'auditeurs réelles ». Les stéréotypes peuvent être basés sur la position socio-économique ou la classe sociale des interprètes ou du public des différents types de musique.

Lorsque des compositeurs introduisent des styles musicaux qui rompent avec les conventions, ils peuvent se heurter à une forte résistance de la part des universitaires et d'autres acteurs du milieu. Les quatuors à cordes de la dernière période de Beethoven, les partitions de ballets de Stravinsky, le sérialisme , le bebop , le hip-hop , le punk rock et la musique électronique ont suscité la controverse et la critique lors de leur apparition. Ces thèmes sont étudiés en sociologie de la musique, parfois appelée sociomusicologie , discipline enseignée dans les départements de sociologie, d'études médiatiques ou de musicologie, et étroitement liée à l'ethnomusicologie .

Les femmes ont joué un rôle majeur dans la musique à travers l'histoire, en tant que compositrices, auteures-compositrices, instrumentistes , chanteuses, cheffes d'orchestre, musicologues , professeures de musique , critiques et journalistes musicales , et dans d'autres professions musicales. Dans les années 2010, si les femmes représentaient une part importante des chanteuses de musique populaire et classique, ainsi qu'une part significative des auteures-compositrices (dont beaucoup étaient également auteures-compositrices-interprètes), les productrices de disques, les critiques de rock et les instrumentistes de rock étaient peu nombreuses. Bien que les compositrices soient très nombreuses dans la musique classique, du Moyen Âge à nos jours, elles restent largement sous-représentées dans le répertoire classique couramment joué , les manuels d'histoire de la musique et les encyclopédies musicales ; par exemple, dans la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann est l'une des rares compositrices mentionnées.

Les femmes représentent une part importante des solistes instrumentaux en musique classique et leur pourcentage dans les orchestres est en augmentation. Cependant, un article de 2015 sur les solistes de concerto dans les principaux orchestres canadiens indiquait que 84 % des solistes de l' Orchestre symphonique de Montréal étaient des hommes. En 2012, les femmes ne représentaient encore que 6 % des musiciens du prestigieux Orchestre philharmonique de Vienne . Les femmes sont moins fréquentes comme instrumentistes dans les genres de musique populaire tels que le rock et le heavy metal , bien qu'il y ait eu un certain nombre d'instrumentistes féminines de renom et de groupes entièrement féminins . Elles sont particulièrement sous-représentées dans les genres de metal extrême . Dans le milieu de la musique pop des années 1960, « comme la plupart des aspects de l’industrie musicale, [dans les années 1960] l’écriture de chansons était un domaine dominé par les hommes. Bien que de nombreuses chanteuses passaient à la radio, les femmes étaient principalement perçues comme des consommatrices : chanter était parfois un passe-temps acceptable pour une fille, mais jouer d’un instrument, écrire des chansons ou produire des disques était tout simplement impensable. » Les jeunes femmes « n’étaient pas socialisées pour se considérer comme des créatrices de musique. »

Les femmes sont également sous-représentées dans la direction d'orchestre, la critique/le journalisme musical, la production musicale et l'ingénierie du son . Si la composition était déconseillée aux femmes au XIXe siècle et que les musicologues femmes sont peu nombreuses , elles se sont néanmoins impliquées dans l'enseignement musical « à un tel point qu'elles ont dominé ce domaine pendant la seconde moitié du XIXe siècle et une bonne partie du XXe siècle »

Selon Jessica Duchen , critique musicale pour le quotidien londonien The Independent , les musiciennes classiques sont « trop souvent jugées sur leur apparence plutôt que sur leur talent » et subissent des pressions pour « paraître sexy sur scène et en photo » . Duchen affirme que si « certaines musiciennes refusent de jouer sur leur physique, celles qui le font ont tendance à avoir plus de succès matériel » . D'après Edwina Wolstencroft, rédactrice en chef de Radio 3 au Royaume-Uni, l'industrie musicale est depuis longtemps ouverte aux femmes dans les domaines de l'interprétation et du divertissement, mais elles sont beaucoup moins susceptibles d'occuper des postes à responsabilité, comme celui de cheffe d'orchestre . Dans la musique populaire, si de nombreuses chanteuses enregistrent des chansons, très peu de femmes sont derrière la console de mixage en tant que productrices, c'est-à-dire celles qui dirigent et gèrent le processus d'enregistrement. L'une des artistes les plus enregistrées est Asha Bhosle , une chanteuse indienne surtout connue comme chanteuse de playback dans le cinéma hindi.

Depuis le XXe siècle, la musique en direct peut être diffusée à la radio, à la télévision ou sur Internet, ou enregistrée et écoutée sur un lecteur CD ou MP3.

Au début du XXe siècle (à la fin des années 1920), avec l'apparition du cinéma parlant et de ses bandes sonores préenregistrées, un nombre croissant de musiciens d'orchestre de cinéma se retrouvèrent sans emploi. Dans les années 1920, les représentations musicales en direct, données par des orchestres, des pianistes et des organistes, étaient courantes dans les cinémas de première diffusion. L'avènement du cinéma parlant entraîna la disparition quasi totale de ces prestations. La Fédération américaine des musiciens (AFM) publia des annonces dans les journaux pour protester contre le remplacement des musiciens par des appareils mécaniques. Une publicité de 1929, parue dans le Pittsburgh Press, présentait l'image d'une boîte de conserve portant l'inscription : « Musique en conserve / Marque Big Noise / Garantie de ne produire aucune réaction intellectuelle ou émotionnelle »

Parfois, les spectacles en direct intègrent des sons préenregistrés. Par exemple, un DJ utilise des disques vinyles pour le scratch , et certaines œuvres du XXe siècle comportent un solo instrumental ou vocal interprété sur une bande magnétique préenregistrée. Certains groupes pop utilisent des pistes d'accompagnement préenregistrées . Les ordinateurs et de nombreux claviers peuvent être programmés pour produire et jouer de la musique MIDI ( Musical Instrument Digital Interface ). Le public peut également devenir interprète en participant au karaoké , une activité d'origine japonaise qui utilise un appareil diffusant des versions instrumentales de chansons populaires. La plupart des machines de karaoké sont également équipées d'écrans vidéo affichant les paroles des chansons ; les chanteurs peuvent ainsi suivre les paroles tout en chantant par-dessus la musique.

L'avènement d'Internet et la généralisation de l'accès au haut débit ont transformé l'expérience musicale, notamment grâce à un accès facilité aux enregistrements musicaux via la vidéo en streaming et à un choix musical considérablement accru pour les consommateurs. Internet a également engendré des communautés en ligne et des réseaux sociaux comme YouTube et Facebook . Ces plateformes permettent aux chanteurs en herbe et aux groupes amateurs de diffuser plus facilement des vidéos de leurs chansons, d'entrer en contact avec d'autres musiciens et de susciter l'intérêt du public. Les musiciens professionnels utilisent également YouTube comme plateforme gratuite de diffusion de contenu promotionnel. Les utilisateurs de YouTube, par exemple, ne se contentent plus de télécharger et d'écouter des MP3, mais créent aussi activement leurs propres morceaux. Selon Don Tapscott et Anthony D. Williams , auteurs de l'ouvrage *Wikinomics *, on observe un passage du rôle traditionnel de consommateur à celui de « prosommateur », c'est-à-dire un consommateur qui crée et consomme du contenu. Dans le domaine musical, ce phénomène se manifeste notamment par la production de mashups , de remixes et de clips vidéo par les fans.

Les services de streaming musical ont profondément transformé la production musicale. Les plateformes de streaming, telles que Spotify et Apple Music , influencent la manière dont la musique est consommée et distribuée. Cela soulève des questions quant à la manière dont les artistes commercialisent leurs œuvres (par exemple, en « édition limitée »), aux suggestions algorithmiques et à l’accès abordable à la musique enregistrée.

Les systèmes d’IA générative, plus communément appelés métacréation musicale, sont de plus en plus utilisés pour créer de la musique. On parle plus neutre de « systèmes de génération musicale » (SGM).

L'intégration de la musique dans l'enseignement général, de la maternelle à l'enseignement supérieur, est courante en Amérique du Nord et en Europe. La pratique musicale, tant instrumentale que vocale, est considérée comme un moyen d'acquérir des compétences fondamentales telles que la concentration, le calcul , l'écoute et la coopération, tout en favorisant la compréhension du langage , en améliorant la mémorisation et en créant un environnement plus propice à l'apprentissage dans d'autres domaines. À l'école primaire, les enfants apprennent souvent à jouer d'instruments comme la flûte à bec , chantent dans de petites chorales et découvrent l'histoire de la musique savante occidentale et de la musique traditionnelle. Certains élèves s'initient également aux styles de musique populaire. Dans les écoles religieuses, les enfants chantent des hymnes et d'autres chants religieux. Au collège et au lycée (mais rarement au primaire), les élèves peuvent avoir l'occasion de se produire dans différents ensembles musicaux, tels que des chorales , des fanfares , des orchestres d'harmonie , des groupes de jazz ou des orchestres symphoniques. Dans certains établissements scolaires, des cours de musique sont proposés pour apprendre à jouer d'un instrument. Certains élèves prennent également des cours particuliers de musique après l'école avec un professeur de chant ou un professeur d'instrument. Les musiciens amateurs apprennent généralement les rudiments musicaux de base (par exemple, la notation musicale pour les gammes et les rythmes ) et les techniques de chant ou de jeu instrumental de niveau débutant à intermédiaire.

Au niveau universitaire, les étudiants de la plupart des filières artistiques et littéraires peuvent obtenir des crédits pour quelques cours de musique, généralement sous la forme d'un cours d'introduction à l' histoire de la musique ou d'un cours d'initiation à la musique axé sur l'écoute et la découverte des différents styles musicaux. De plus, la plupart des universités nord-américaines et européennes proposent des ensembles musicaux auxquels les étudiants en arts et lettres peuvent participer : chorales, fanfares, orchestres d'harmonie ou orchestres symphoniques. L'étude de la musique savante occidentale est de plus en plus répandue hors d'Amérique du Nord et d'Europe, comme en témoignent l' Institut indonésien des arts de Yogyakarta et les programmes de musique classique offerts dans des pays asiatiques tels que la Corée du Sud, le Japon et la Chine. Parallèlement, les universités et les établissements d'enseignement supérieur occidentaux élargissent leurs programmes pour inclure les musiques de cultures non occidentales, comme les musiques africaines ou balinaises (par exemple, le gamelan ).

Les personnes souhaitant devenir musiciens professionnels, chanteurs, compositeurs, auteurs-compositeurs, professeurs de musique ou exercer d'autres professions liées à la musique, comme professeurs d'histoire de la musique ou ingénieurs du son , suivent des programmes d'études supérieures spécialisés proposés par les collèges, les universités et les conservatoires de musique . Certains établissements qui forment des individus aux carrières musicales offrent une formation couvrant un large éventail de professions, comme c'est le cas de nombreuses universités américaines prestigieuses qui délivrent des diplômes en interprétation musicale (chant et pratique instrumentale inclus), en histoire de la musique, en théorie musicale, en composition musicale, en pédagogie musicale (pour ceux qui souhaitent devenir professeurs de musique au primaire ou au secondaire) et, dans certains cas, en direction d'orchestre. En revanche, certains petits établissements d'enseignement supérieur peuvent se spécialiser dans un seul domaine (par exemple, l'enregistrement sonore ).

Si la plupart des programmes de musique universitaires et de conservatoires sont axés sur la formation en musique classique, certaines universités et écoles supérieures forment des musiciens se destinant à des carrières de musiciens et compositeurs de jazz ou de musique populaire . Aux États-Unis, on peut citer notamment la Manhattan School of Music et le Berklee College of Music . Au Canada, l'Université McGill et le Collège Humber proposent une formation professionnelle en jazz . Les personnes souhaitant faire carrière dans certains genres musicaux, comme le heavy metal , la country ou le blues, ont peu de chances de devenir professionnelles après l'obtention d'un diplôme. Elles apprennent généralement leur style musical en chantant ou en jouant dans des groupes (souvent en commençant par des groupes amateurs, des groupes de reprises ou des groupes hommages ), en étudiant des enregistrements sur DVD et sur Internet, et en travaillant avec des professionnels déjà établis dans leur style, que ce soit par le biais d' un mentorat informel ou de cours de musique réguliers . Depuis les années 2000, la popularité croissante des forums Internet et des tutoriels vidéo sur YouTube a permis aux chanteurs et musiciens de metal, de blues et de genres similaires de perfectionner leurs compétences. De nombreux chanteurs pop, rock et country s'entraînent de manière informelle avec des coachs vocaux et des professeurs de chant .

La musicologie, l'étude académique de la musique, s'enseigne dans les universités et les conservatoires. Les premières définitions, datant du XIXe siècle, distinguaient trois sous-disciplines : la musicologie systématique , la musicologie historique et la musicologie comparée ou ethnomusicologie . Dans les travaux de recherche actuels (autour de 2010), on distingue plus fréquemment la théorie musicale , l'histoire de la musique et l'ethnomusicologie. La recherche en musicologie s'enrichit souvent de travaux interdisciplinaires, notamment en psychoacoustique . L'étude des musiques des cultures non occidentales, ou étude culturelle de la musique, est appelée ethnomusicologie. Les étudiants peuvent se spécialiser en musicologie, ethnomusicologie, histoire de la musique et théorie musicale et obtenir différents diplômes, du baccalauréat au doctorat.

La théorie musicale est l'étude de la musique, généralement d'une manière très technique, en dehors des autres disciplines. Plus largement, elle désigne toute étude de la musique, habituellement liée d'une manière ou d'une autre à la composition, et peut inclure les mathématiques, la physique et l'anthropologie . Dans les cours d'introduction à la théorie musicale, on enseigne le plus souvent les principes d'écriture dans le style de la pratique commune , ou musique tonale . La théorie, même celle de la musique de la pratique commune, peut prendre d'autres formes. La théorie des ensembles musicaux est l'application de la théorie mathématique des ensembles à la musique, initialement appliquée à la musique atonale . La théorie musicale spéculative , par opposition à la théorie musicale analytique , est consacrée à l'analyse et à la synthèse des matériaux musicaux, par exemple les systèmes d'accord , généralement en vue de la composition.

La zoomusicologie est l'étude de la musique des animaux non humains, ou des aspects musicaux des sons qu'ils produisent. Comme le demandait George Herzog (1941) : « Les animaux ont-ils une musique ? » L'ouvrage de François -Bernard Mâche , Musique, mythe, nature ou les Dauphins d'Arion (1983), une étude d'« ornithomusicologie » utilisant la technique d'analyse segmentaire paradigmatique de Nicolas Ruwet (Langage, musique, poésie , 1972) , montre que les chants d'oiseaux sont organisés selon un principe de répétition-transformation. Jean-Jacques Nattiez (1990) affirme qu'« en dernière analyse, c'est l'être humain qui décide de ce qui est musical et de ce qui ne l'est pas, même lorsque le son n'est pas d'origine humaine. Si l'on admet que le son n'est pas organisé et conceptualisé (c'est-à-dire transformé en musique) uniquement par son producteur, mais par l'esprit qui le perçoit, alors la musique est spécifiquement humaine. »

En Occident, l'enseignement de l'histoire de la musique porte principalement sur la musique savante de la civilisation occidentale, connue sous le nom de musique classique. L'histoire de la musique dans les cultures non occidentales (également appelée « musiques du monde » ou « ethnomusicologie ») est aussi enseignée dans les universités occidentales. Celle-ci inclut les traditions classiques documentées des pays asiatiques hors de l'influence de l'Europe occidentale, ainsi que les musiques folkloriques ou autochtones de diverses autres cultures. Les styles de musique populaire ou folklorique dans les pays non occidentaux ont varié d'une culture à l'autre et d'une époque à l'autre. Différentes cultures ont mis l'accent sur différents instruments , techniques, styles de chant et usages de la musique. La musique a été utilisée pour le divertissement, les cérémonies, les rituels, les pratiques religieuses et la communication, tant pratique qu'artistique. La musique non occidentale a également été utilisée à des fins de propagande, comme ce fut le cas pour l'opéra chinois pendant la Révolution culturelle .

Il existe une multitude de classifications musicales pour les musiques non occidentales, dont beaucoup sont liées au débat sur la définition même de la musique . Parmi les plus importantes figure la distinction entre musique classique (ou musique « savante ») et musique populaire (ou musique commerciale , incluant les styles non occidentaux de rock, de country et de pop). Certains genres ne s'intègrent pas facilement dans l'une de ces deux grandes catégories (comme la musique folk , les musiques du monde ou les musiques apparentées au jazz ).

Avec l' intensification des contacts entre les cultures du monde , leurs styles musicaux autochtones se sont souvent mêlés à d'autres, donnant naissance à de nouveaux styles. Par exemple, le bluegrass américain intègre des éléments des traditions instrumentales et vocales anglo - irlandaises , écossaises , irlandaises, allemandes et africaines, qui ont pu fusionner au sein de la société multiethnique et cosmopolite des États-Unis . Certains genres de musiques du monde combinent des styles autochtones non occidentaux avec des éléments de la musique pop occidentale. Les genres musicaux sont autant déterminés par la tradition et la présentation que par la musique elle-même. Certaines œuvres, comme la Rhapsody in Blue de George Gershwin , appartiennent à la fois au jazz et à la musique classique, tandis que Porgy and Bess de Gershwin et West Side Story de Leonard Bernstein relèvent à la fois de l'opéra et de la tradition musicale de Broadway . De nombreux festivals de musiques non occidentales mettent en avant des groupes et des chanteurs d'un genre musical particulier, comme les musiques du monde.

La musique indienne , par exemple, est l'une des plus anciennes et des plus vivantes. Elle est encore largement écoutée et jouée en Asie du Sud, ainsi qu'à l'international (surtout depuis les années 1960). La musique indienne comprend principalement trois formes de musique classique : les styles hindoustani , carnatique et dhrupad . Elle possède également un vaste répertoire de styles utilisant uniquement des percussions, comme les performances de talavadya, célèbres dans le sud de l'Inde .

La musicothérapie est une démarche relationnelle où un thérapeute qualifié utilise la musique et toutes ses dimensions – physiques, émotionnelles, mentales, sociales, esthétiques et spirituelles – pour aider ses patients à améliorer ou à maintenir leur bien-être. Dans certains cas, les besoins du patient sont abordés directement par la musique ; dans d’autres, ils le sont grâce à la relation qui se tisse entre le patient et le thérapeute. La musicothérapie s’adresse à des personnes de tous âges et présentant diverses problématiques, notamment : troubles psychiatriques, problèmes médicaux, handicaps physiques, déficiences sensorielles, troubles du développement, toxicomanie, troubles de la communication, difficultés relationnelles et vieillissement. Elle est également utilisée pour améliorer l’apprentissage, renforcer l’estime de soi, réduire le stress, favoriser l’activité physique et faciliter de nombreuses autres activités liées au bien-être. Les musicothérapeutes peuvent encourager leurs patients à chanter, à jouer d’un instrument, à composer des chansons ou à pratiquer d’autres activités musicales.

Au Xᵉ siècle, le philosophe Al-Farabi décrivait comment la musique vocale pouvait stimuler les sentiments et l'âme des auditeurs. La musique est utilisée depuis longtemps pour aider les gens à gérer leurs émotions. Au XVIIᵉ siècle, dans son ouvrage *Anatomie de la mélancolie* , l'érudit Robert Burton soutenait que la musique et la danse étaient essentielles au traitement des maladies mentales , notamment la mélancolie . Il notait que la musique avait un « excellent pouvoir… pour chasser de nombreuses autres maladies » et la qualifiait de « remède souverain contre le désespoir et la mélancolie ». Il soulignait que dans l'Antiquité, Canus, un violoniste rhodien, utilisait la musique pour « rendre joyeux un homme mélancolique, …un amoureux plus épris, un religieux plus fervent ». Dans l' Empire ottoman , les maladies mentales étaient traitées par la musique. En novembre 2006, Michael J. Crawford et ses collègues ont également constaté que la musicothérapie aidait les patients schizophrènes .