notation musicale

La notation musicale désigne tout système utilisé pour représenter visuellement la musique. Les systèmes de notation représentent généralement les éléments d'une œuvre musicale jugés importants pour son interprétation dans le contexte d'une tradition musicale donnée. L'interprétation de la notation musicale est souvent appelée lecture de la musique .

Au fil de l'histoire, différentes cultures ont inventé des systèmes de notation distincts. Les informations concernant la notation musicale ancienne sont souvent fragmentaires. Même au sein d'une même période, différents styles musicaux et différentes cultures utilisaient des systèmes de notation différents.

Par exemple, les musiciens classiques utilisent le plus souvent des partitions avec portées , indications de mesure , armures et têtes de notes pour écrire et déchiffrer leurs morceaux . Mais il existe bien d'autres systèmes. Par exemple, dans la musique country professionnelle , le système de numérotation de Nashville est la méthode principale, et pour les instruments à cordes comme la guitare , l' utilisation de la tablature est très courante .

La notation musicale utilise des symboles anciens et modernes réalisés sur divers supports tels que la pierre, les tablettes d'argile , le papyrus , le parchemin ou le papier manuscrit ; imprimés à l'aide d'une presse à imprimer ( imprimante informatique ( technologies d'impression ou de copie modernes .

Bien que de nombreuses cultures anciennes aient utilisé des symboles pour représenter les mélodies et les rythmes , aucun système n'était particulièrement complet, ce qui limite notre compréhension actuelle de leur musique. L'ancêtre direct du système de notation occidental moderne est apparu en Europe médiévale , dans le contexte des efforts de l' Église chrétienne pour standardiser l'interprétation des chants grégoriens afin d'uniformiser les chants religieux. La notation s'est ensuite développée pendant la Renaissance et l'époque baroque . Durant la période classique (1750-1820) et l' époque romantique (1820-1900), elle a continué d'évoluer au rythme des progrès technologiques des instruments de musique . Dans la musique classique contemporaine des XXe et XXIe siècles, la notation musicale a encore évolué, avec l'introduction de la notation graphique par certains compositeurs modernes et l'utilisation, depuis les années 1980, de logiciels de notation musicale. La notation musicale a été adaptée à de nombreux genres musicaux, dont la musique classique , la musique populaire et la musique traditionnelle .

La plus ancienne forme de notation musicale se trouve sur une tablette cunéiforme créée à Nippur , en Babylonie (l' Irak actuel ), vers 1400 avant notre ère. La tablette représente des instructions fragmentaires pour l'exécution de la musique, montrant qu'elle était composée en harmonies de tierces utilisant une gamme diatonique . _2-0" rel="dc:references" typeof="mw:Transclusion mw:Extension/ref" data-mw="{"name":"ref","attrs":{"group":"","name":"FOOTNOTEKilmerCivil1986[[Category:Wikipedia articles needing page number citations from June 2009]]^{[[[Wikipedia:Citing sources|page needed]]]}"},"body":{"id":"mw-reference-text-cite_note-FOOTNOTEKilmerCivil1986[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_June_2009]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]-2"},"parts":[{"template":{"target":{"wt":"sfnp","href":"./Template:Sfnp"},"params":{"1":{"wt":"Kilmer"},"2":{"wt":"Civil"},"3":{"wt":"1986"},"p":{"wt":"{{Page needed|date=June 2009}}"}},"i":0}}] [ 2 ]

Une tablette datant d'environ 1250 avant notre ère présente une forme de notation plus élaborée. _3-0" rel="dc:references" typeof="mw:Transclusion mw:Extension/ref" data-mw="{"name":"ref","attrs":{"group":"","name":"FOOTNOTEKilmer1965[[Category:Wikipedia articles needing page number citations from June 2009]]^{[[[Wikipedia:Citing sources|page needed]]]}"},"body":{"id":"mw-reference-text-cite_note-FOOTNOTEKilmer1965[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_June_2009]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]-3"},"parts":[{"template":{"target":{"wt":"sfnp","href":"./Template:Sfnp"},"params":{"1":{"wt":"Kilmer"},"2":{"wt":"1965"},"p":{"wt":"{{Page needed|date=June 2009}}"}},"i":0}}] [ 3 ] Bien que l'interprétation de ce système de notation demeure controversée, il est clair qu'elle indique le nom des cordes d'une lyre , dont l' accordage est décrit sur d'autres tablettes. Les recherches indiquent que ces notations avaient une double utilité, pour les pièces musicales liturgiques et profanes, la musique étant essentielle aussi bien aux cérémonies religieuses qu'aux activités de la cour. Bien que fragmentaires, ces tablettes représentent les plus anciennes mélodies notées connues au monde.

La notation musicale chantée utilise des symboles alphabétiques pour les hauteurs de son , placés au-dessus des syllabes du texte. Le rythme est indiqué de façon rudimentaire, par des symboles de syllabes longues et courtes. L' épitaphe de Seikilos a été datée de diverses manières, entre le IIe siècle avant notre ère et le IIe siècle de notre ère.

Trois hymnes de Mésomède de Crète nous sont parvenus sous forme de manuscrits . Les Hymnes delphiques , datés du IIe siècle avant notre ère, utilisent également cette notation, mais ils ne sont pas intégralement conservés.

La notation grecque antique semble être tombée en désuétude à peu près au moment du déclin de l'Empire romain d'Occident .

La musique byzantine comprenait autrefois de la musique pour les cérémonies de cour, mais n'a survécu que sous forme de musique vocale d'église au sein de diverses traditions orthodoxes de chant monodique ( monophonique ) écrites en notation ronde byzantine (voir l'anastasimatarion de Macarie avec le texte grec traduit en roumain et translittéré dans son écriture cyrillique correspondante ).

Depuis le VIe siècle, les catégories théoriques grecques ( melos , genos , harmonia , systema ) ont joué un rôle essentiel dans la compréhension et la transmission de la musique byzantine. La tradition de Damas , en particulier, a exercé une forte influence sur le Proche-Orient préislamique, comparable à celle de la musique perse . Les plus anciens témoignages sont des fragments de papyrus de tropologia grecs . Ces fragments présentent le texte des hymnes selon une signature modale ou une tonalité (comme «Contrairement à la notation occidentale, les neumes byzantins utilisés depuis le Xᵉ siècle étaient toujours liés aux degrés modaux (même degré modal, un degré plus bas, deux degrés plus haut, etc.) par rapport à une clé ou une tonalité modale ( armures modales ). À l'origine, cette tonalité ou l'incipit d'une mélodie courante suffisait à indiquer un modèle mélodique précis parmi les échos . Outre la notation ekphonétique , employée uniquement dans les lectionnaires pour indiquer les formules utilisées lors des lectures bibliques, la notation mélodique ne s'est développée qu'entre le IXᵉ et le Xᵉ siècle, lorsqu'un thêta ( mélisme plus long était attendu. Cette forme primitive était appelée « notation thêta » ou « notation diple ».

L'évolution de cette notation s'observe dans les livres de chant monastique grecs, tels que le sticherarion et l' heirmologion . La notation de Chartres était employée au Mont Athos et à Constantinople, tandis que la notation de Coislin était utilisée dans les patriarcats de Jérusalem et d'Alexandrie. Une autre notation gestuelle était initialement employée pour l' asmatikon (livre de chœur) et le kontakarion (livre du soliste ou monophonaris) du rite cathédral de Constantinople. Les plus anciens livres qui nous soient parvenus sont les « kondakars » en traduction slave, qui présentent déjà un système de notation connu sous le nom de notation kondakarienne . À l'instar de l' alphabet grec , les signes de notation sont ordonnés de gauche à droite (bien que le sens puisse être adapté, comme dans certains manuscrits syriaques ). La question du rythme reposait entièrement sur la cheironomia (l'interprétation des grands signes, issus de différents livres de chant). Ces grands signes ( chefs de chœur du rite cathédrale. Ils existaient autrefois dans le cadre d'une tradition orale, se sont développés en notation kondakarienne et ont été intégrés, au cours du XIIIe siècle, à la notation ronde byzantine comme une sorte de système de notation universel.

Aujourd'hui, la principale différence entre les neumes occidentaux et orientaux réside dans le fait que les symboles de notation orientaux sont « différentiels » plutôt qu'absolus ; autrement dit, ils indiquent des intervalles de hauteur (ascendants, descendants ou d'un même ton), et les musiciens doivent déduire les intervalles précis en fonction du contexte musical et de leur hauteur actuelle. Ces symboles d'intervalle, ou plus précisément « neumes phoniques », ressemblent à des coups de pinceau et sont familièrement appelés gántzoi (« crochets ») en grec moderne .

Les notes, qu'elles soient exprimées en classes de hauteur ou en tonalités modales (généralement mémorisées par des armures modales), ne sont représentées par écrit qu'entre ces neumes (généralement écrits à l'encre rouge dans les manuscrits). Dans la notation moderne, elles servent simplement de pense-bêtes facultatifs, les indications modales et de tempo étant ajoutées au besoin. Dans la notation papade, les armures médianes indiquaient généralement un changement temporaire vers un autre écho .

Les soi-disant « grands signes » étaient autrefois liés aux signes cheironomiques ; selon les interprétations modernes, ils sont compris comme des ornements et des attractions microtonales (changements de hauteur inférieurs à un demi-ton ), tous deux essentiels dans le chant byzantin.

Depuis Chrysanthos de Madytos, sept noms de notes standard sont utilisés pour le solfège ( parallagē ) : pá, vú, g ^há , d ^h i, ké, zō, nē . La pratique plus ancienne utilisait encore les quatre enechemata, ou formules d'intonation, des quatre échos donnés par les signatures modales : les authentiques ou kyrioi à l'ascendant et les plagaux ou plagioi à la descente ( Octoéchos papadique ). À l'exception de vú et zō, ces noms correspondent approximativement aux syllabes de solmisation occidentales : ré, mi, fa, sol, la, si, do . La musique byzantine utilise exclusivement les huit gammes naturelles non tempérées, dont les éléments étaient identifiés par les Ēkhoi (« sons »). De ce fait, la hauteur absolue de chaque note peut légèrement varier selon le Ēkhos utilisé. La notation byzantine est encore utilisée dans de nombreuses églises orthodoxes. Il arrive que les chantres utilisent également des transcriptions en notation occidentale ou kiévienne, tout en ajoutant de mémoire des ornements non notables et en glissant dans les gammes naturelles grâce à leur expérience. Cependant, même dans les éditions modernes de neume depuis la réforme de Chrysanthos, de nombreux détails reposent sur la tradition orale transmise par les maîtres traditionnels.

Le musicologue et théoricien Isidore de Séville , écrivant au début du VIIe siècle, affirmait que « si les sons ne sont pas conservés par la mémoire humaine, ils périssent, car ils ne peuvent être écrits » . Cependant, dès le milieu du IXe siècle, une forme de notation neumatique commença à se développer dans les monastères d'Europe comme moyen mnémotechnique pour le chant grégorien , utilisant des symboles appelés neumes ; la plus ancienne notation musicale de ce type qui nous soit parvenue se trouve dans la Musica Disciplina d' Aurélien de Réôme , datant d'environ 850. Il existe des témoignages épars, provenant de la péninsule Ibérique , antérieurs à cette époque, d'une notation connue sous le nom de neumes wisigothiques , mais les quelques fragments qui nous sont parvenus n'ont pas encore été déchiffrés _16-0" rel="dc:references" typeof="mw:Transclusion mw:Extension/ref" data-mw="{"name":"ref","attrs":{"group":"","name":"FOOTNOTEZapke2007[[Category:Wikipedia articles needing page number citations from May 2010]]^{[[[Wikipedia:Citing sources|page needed]]]}"},"body":{"id":"mw-reference-text-cite_note-FOOTNOTEZapke2007[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_May_2010]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]-16"},"parts":[{"template":{"target":{"wt":"sfnp","href":"./Template:Sfnp"},"params":{"1":{"wt":"Zapke"},"2":{"wt":"2007"},"p":{"wt":"{{Page needed|date=May 2010|reason=A complex issue, to be sure, but this book has 480 pages. Surely it does not take that long to demonstrate that nothing at all has been deciphered.}}"}},"i":0}}] [ 16 ] . Le problème de cette notation était qu'elle ne représentait que les contours mélodiques et, par conséquent, la musique ne pouvait être lue par quelqu'un qui ne la connaissait pas déjà.

La notation musicale était suffisamment développée pour noter la mélodie, mais il n'existait toujours pas de système pour noter le rythme. Un traité du milieu du XIIIe siècle, le De Mensurabili Musica , explique un ensemble de six modes rythmiques en usage à l'époque , bien que leur origine demeure obscure. Ces modes rythmiques étaient tous à trois temps et limitaient le rythme du chant à six motifs répétitifs différents. Cette lacune fut relevée par le théoricien musical allemand Franco de Cologne , qui la résuma dans son traité Ars Cantus Mensurabilis (l'art du chant mesuré, ou notation mensurale ). Il suggéra que chaque note puisse avoir son propre rythme, représenté par sa forme. Ce n'est qu'au XIVe siècle qu'apparut un système similaire à celui que nous connaissons aujourd'hui, avec ses durées de notes fixes. L'usage de mesures régulières (barres) se généralisa à la fin du XVIIe siècle.Guido d'Arezzo [ un moine bénédictin italien qui vécut d'environ 991 à après 1033. Il enseigna l'utilisation des syllabes de solmisation en se basant sur un hymne à saint Jean-Baptiste , qui commence par « Ut queant laxis » et fut écrit par l' historien lombard Paul le Diacre . La première strophe est :

1. Ut queant laxis
2. re sonare fibris
3. Mi ra gestorum
4. fa muli tuorum ,
5. Sol ve polluti
6. la bii reatum,
7. Sainte Iohannes .​

Guido utilisait la première syllabe de chaque ligne, Ut , Re , Mi , Fa , Sol , La et Si , pour lire la musique notée en termes d' hexacordes ; il ne s'agissait pas de noms de notes, et chacun pouvait, selon le contexte, s'appliquer à n'importe quelle note. Au XVIIe siècle, Ut fut changé dans la plupart des pays, sauf en France, en Do, une syllabe ouverte plus facile à chanter, que l'on pense provenir soit du nom du théoricien italien Giovanni Battista Do ni , soit du mot latin Do minus , signifiant Seigneur .

Les moines chrétiens ont élaboré les premières formes de notation musicale européenne moderne afin d'uniformiser la liturgie dans toute l'Église universelle , et un vaste corpus de musique religieuse a été composé à partir de ces formes au fil des siècles. Ceci a directement conduit à l'émergence et au développement de la musique classique européenne et de ses nombreux dérivés. Le style baroque , qui englobait la musique, l'art et l'architecture, a été particulièrement encouragé par l'Église catholique après la Réforme, car ces formes offraient un moyen d'expression religieuse vibrant et émouvant, destiné à stimuler la ferveur religieuse

La notation musicale moderne est utilisée par des musiciens de nombreux genres différents à travers le monde. La portée (ou stave) se compose de cinq lignes horizontales parallèles servant de cadre aux hauteurs des notes. Celles-ci sont indiquées par des têtes de notes ovales placées sur les lignes de la portée (en les traversant), entre les lignes ( dans les interlignes) ou au-dessus et en dessous de la portée grâce à de petites lignes supplémentaires appelées lignes supplémentaires . La notation se lit de gauche à droite, ce qui rend difficile la mise en musique pour les systèmes d'écriture de droite à gauche. La hauteur d'une note est indiquée par la position verticale de sa tête sur la portée et peut être modifiée par des altérations . La durée (ou valeur de la note ) est indiquée par la forme de la tête de note ou par l'ajout d'une hampe et de barres de liaison. Une ronde est représentée par un ovale creux sans hampe ; une double ronde est représentée par un rectangle creux ou un ovale creux sans hampe avec une ou deux lignes verticales de chaque côté . Une blanche est représentée par un ovale creux avec hampe . Les ovales pleins sont toujours munis de hampes et peuvent indiquer des noires ou, avec des barres de liaison ou des fanions, des subdivisions plus petites. Des symboles supplémentaires, tels que des points et des liaisons, peuvent allonger la durée d'une note.

Une portée musicale commence généralement par une clé , qui indique la tessiture des notes. La clé de sol, ou clé de G, était à l'origine la lettre G et désigne la deuxième ligne vers le haut sur une portée à cinq lignes comme étant la note sol au-dessus du do central. La clé de fa, ou clé de fa, désigne la deuxième ligne vers le bas comme étant la note fa en dessous du do central. Bien que les clés de sol et de fa soient les plus couramment utilisées, d'autres clés, qui désignent le do central, sont utilisées pour certains instruments, comme la clé d'ut (pour l'alto et le trombone alto ) et la clé d'ut (utilisée pour certaines pièces de violoncelle , de basson , de trombone ténor et de contrebasse ). Certains instruments utilisent principalement une seule clé, comme le violon et la flûte qui utilisent la clé de sol , et la contrebasse et le tuba qui utilisent la clé de fa . D'autres instruments, comme le piano et l'orgue , utilisent régulièrement les deux clés.

Après la clé, l' armure est un groupe de 0 à 7 dièses ( ♯ ) ou bémols ( ♭ ) placés sur la portée pour indiquer la tonalité du morceau ou de la chanson. Elle précise que certaines notes sont altérées (dièses ou bémols) tout au long du morceau, sauf indication contraire par des altérations placées avant certaines notes. Lorsqu'un bémol ( ♭ ) est placé avant une note, sa hauteur est abaissée d'un demi-ton. De même, un dièse ( ♯ ) augmente la hauteur d'un demi-ton. Par exemple, un dièse sur le ré le fait monter de deux demi-tons, tandis qu'un bémol l'abaisse de deux demi-tons . Les doubles dièses et les doubles bémols sont moins fréquents, mais ils sont utilisés. Un double dièse placé avant une note la fait monter de deux demi-tons, un double bémol la fait descendre de deux demi-tons. Un bécarre placé avant une note la rend à l'état naturel, ce qui signifie que tout dièse ou bémol ajouté à cette note par l'armure ou par une altération est annulé. Parfois, une altération accidentelle de courtoisie est utilisée en musique là où elle n'est pas techniquement requise, pour rappeler au musicien la hauteur de note exigée.

Après l'armure, on trouve l' indication de mesure . Celle-ci se compose généralement de deux chiffres, dont l'un des plus courants estbarre ). Le « 4 » du bas indique que chaque temps est une noire. Les mesures divisent le morceau en groupes de temps , et les indications de mesure précisent ces groupes.mesure commune », et elle peut être indiquée par des symboles plutôt que par des chiffres. Voici d'autres indications de mesure fréquemment utilisées :rythmique composé ). Il existe de nombreuses autres signatures rythmiques, telles quede musique classique de l' époque classique , ainsi que des chansons de musique traditionnelle et populaire, sont composées d'une seule mesure pendant la majeure partie, voire la totalité, de la pièce. La musique de l' époque romantique et des périodes ultérieures, en particulier la musique classique contemporaine et les genres rock tels que le rock progressif et le mathcore (sous-genre du punk hardcore ) , peuvent utiliser des mesures mixtes ; les chansons ou les pièces passent d'une mesure à l'autre, par exemple en alternant entre des mesures detempo (par exemple, andante ) et les nuances (par exemple, forte ) figurent au-dessus ou en dessous de la portée. Les termes indiquant l' expression musicale ou l'atmosphère d'un morceau sont indiqués au début de celui-ci et à chaque changement d'ambiance (par exemple, gelassen ).

En musique vocale, les paroles sont écrites près des notes de la mélodie. La notation musicale standard se lisant de gauche à droite, lorsque les paroles sont dans une langue s'écrivant de droite à gauche , comme l'arabe ou l'hébreu, le texte se lit généralement de gauche à droite, mais chaque syllabe s'écrit de droite à gauche. Des tentatives ont également été faites pour écrire des partitions entièrement de droite à gauche dans ces langues, par exemple par Abraham Zevi Idelsohn , qui a publié des recueils de chants hébraïques , et par l' éducateur quaker américain Rolla Foley, qui a publié un recueil de chants arabes

Pour les courtes pauses (respirations), des reprises (les reprises sont indiquées par une marque ') sont ajoutées.

En musique d' ensemble , une partition représente la musique pour tous les musiciens, les portées des différents instruments et/ou voix étant disposées verticalement. Le chef d'orchestre utilise la partition pour diriger un orchestre , un orchestre d'harmonie , un chœur ou tout autre grand ensemble. Chaque musicien joue à partir d'une partie, qui ne contient que la musique qu'il interprète. Une partition peut être construite à partir d'un jeu complet de parties, et inversement. Le processus était laborieux et fastidieux lorsque les parties étaient recopiées à la main, mais depuis le développement des logiciels de création de partitions dans les années 1980, une partition enregistrée électroniquement peut avoir ses parties automatiquement préparées par le programme et imprimées rapidement et à moindre coût grâce à une imprimante.

Variations sur la notation sur portée

• Les conventions de notation des percussions varient en raison de la grande diversité des instruments. On distingue généralement deux catégories d'instruments de percussion : les instruments à hauteur déterminée (par exemple, le glockenspiel ou les cloches tubulaires ) et les instruments à hauteur indéterminée (par exemple, la grosse caisse et la caisse claire ). La notation des percussions à hauteur indéterminée est moins standardisée. Les instruments à hauteur déterminée utilisent la notation classique occidentale standard pour les hauteurs et les rythmes. En général, la notation des percussions à hauteur indéterminée utilise la portée à cinq lignes, chaque ligne et chaque espace représentant un instrument de la batterie . La notation rythmique occidentale standard est utilisée pour indiquer le rythme.
• La notation chiffrée de la basse trouve son origine dans les parties de basse continue baroques . Elle est également largement utilisée dans la notation pour accordéon . Les notes de basse sont notées de manière conventionnelle, avec des chiffres et autres signes indiquant les accords que le claveciniste, l'organiste ou le luthiste doit improviser. Elle ne précise cependant pas les hauteurs exactes de l'harmonie, laissant ainsi à l'interprète le soin d'improviser.
• Une grille d'accords ne précise que la mélodie, les paroles et l'harmonie, sur une seule portée avec les symboles d'accords placés au-dessus et les paroles en dessous. Elle sert à saisir les éléments essentiels d'une chanson populaire sans indiquer comment elle doit être arrangée ou interprétée.
• Une grille d'accords, ou « diagramme », contient peu ou pas d'informations mélodiques ou de conduite des voix, mais fournit des informations harmoniques de base sur la progression d'accords . Certaines grilles d'accords contiennent également des informations rythmiques, indiquées par des barres obliques pour les temps et des signes diacritiques pour les rythmes. C'est le type de partition le plus couramment utilisé par les musiciens de studio professionnels jouant du jazz ou d'autres styles de musique populaire ; elle est principalement destinée à la section rythmique (comprenant généralement piano , guitare , basse et batterie ).
• Les grilles d'accords simplifiées pour les chansons peuvent ne contenir que les changements d'accords, placés au-dessus des paroles à l'endroit où ils apparaissent. Ces grilles supposent une connaissance préalable de la mélodie et servent de pense-bête lors de l'interprétation ou de chants informels en groupe . Certaines grilles d'accords destinées aux accompagnateurs de la section rythmique ne contiennent que la progression d'accords.
• Le système de notation par formes se retrouve dans certains recueils de cantiques, partitions et livres de chants religieux, notamment dans le sud des États-Unis . Au lieu de la traditionnelle tête de note elliptique, des têtes de notes de formes variées sont utilisées pour indiquer la position de la note sur la gamme majeure. Le Sacred Harp est l'un des recueils de chants les plus populaires utilisant ce système.