Animation

Le mot animation vient du latin animātiō , qui signifie « donner vie ». Le sens premier du mot anglais est « vivacité » et est utilisé depuis bien plus longtemps que le sens de « médium d’image animée ».

Lorsque le cinéma s'imposa finalement dans les années 1890, la richesse des détails réalistes offerts par ce nouveau médium fut considérée comme son plus grand accomplissement. Il fallut des années avant que l'animation ne trouve sa place dans les salles obscures. Le court métrage à succès * The Haunted Hotel * (1907) de J. Stuart Blackton popularisa l'animation image par image et aurait inspiré Émile Cohl pour la création de *Fantasmagorie* (1908), considéré comme le plus ancien exemple connu d' animation traditionnelle (dessinée à la main) sur pellicule cinématographique standard. D'autres courts métrages artistiques et influents furent réalisés par Ladislas Starevich avec ses animations de marionnettes à partir de 1910 et par Winsor McCay avec une animation dessinée à la main détaillée dans des films tels que *Little Nemo* (1911) et *Gertie le dinosaure * (1914).

En 1917, le réalisateur italo-argentin Quirino Cristiani réalisa le premier long métrage de l'histoire du cinéma, El Apóstol (aujourd'hui perdu ), qui connut un succès critique et commercial. Il fut suivi en 1918 par Sin dejar rastros , mais le lendemain de sa première, le film fut confisqué par le gouvernement.

En 1937, les studios Walt Disney ont présenté en avant-première leur premier long métrage d'animation, Blanche-Neige et les Sept Nains , qui reste encore aujourd'hui l'un des films d'animation traditionnels les plus rentables ( Gulliver's Travels with some success. Partly due to foreign markets being cut off by the Second World War, Disney's next features Pinocchio, Fantasia (both 1940), Fleischer Studios' second animated feature Mr. Bug Goes to Town (1941–1942) failed at the box office. For several decades, Disney was the only American studio to regularly produce animated features, until Ralph Bakshi became the first to release more than a handful of features. Sullivan-Bluth Studios began to regularly produce animated features starting with An American Tail in 1986.

Although relatively few titles became as successful as Disney's features, other countries developed their own animation industries that produced both short and feature theatrical animations in a wide variety of styles, relatively often including stop motion and cutout animation techniques. Soviet Soyuzmultfilm animation studio, founded in 1936, produced 20 films (including shorts) per year on average and reached 1,582 titles in 2018. China, Czechoslovakia / Czech Republic, Italy, France, and Belgium were other countries that more than occasionally released feature films.

L'animation a connu un essor considérable à la télévision à partir des années 1950, avec la démocratisation du téléviseur dans la plupart des pays développés . Les dessins animés étaient principalement destinés aux enfants, diffusés à des heures de grande écoute, et les jeunes Américains, notamment, passaient de nombreuses heures devant les dessins animés du samedi matin . De nombreux dessins animés classiques ont ainsi connu une seconde jeunesse sur le petit écran et, à la fin des années 1950, la production de nouveaux dessins animés a commencé à se déplacer des longs métrages d'animation vers les séries télévisées. Hanna-Barbera Productions s'est montrée particulièrement prolifique et a produit d'immenses succès, tels que Les Pierrafeu (1960-1966) (la première série animée diffusée en prime time ), Scooby-Doo (depuis 1969) et la coproduction belgo-américaine Les Schtroumpfs (1981-1989). Les contraintes de la programmation télévisée américaine et la forte demande ont engendré des méthodes d'animation plus rapides et moins coûteuses , ainsi que des scénarios beaucoup plus stéréotypés. La qualité a diminué jusqu'à ce qu'une animation plus audacieuse fasse surface à la fin des années 1980 et au début des années 1990 avec des séries à succès, le premier dessin animé des Simpson (1987), qui s'est ensuite développé en sa propre émission (en 1989) et Bob l'éponge (depuis 1999) dans le cadre d'une « renaissance » de l'animation américaine.

Bien que les séries animées américaines aient également connu un succès international, de nombreux autres pays ont produit leurs propres programmes destinés aux enfants, privilégiant souvent l'animation image par image et les marionnettes à l'animation traditionnelle. Les séries télévisées d'animation japonaises ont connu un grand succès international dès les années 1960, et les producteurs européens, à la recherche d'animateurs traditionnels abordables, ont fréquemment entamé des coproductions avec des studios japonais, donnant naissance à des séries à succès telles que Barbapapa (Pays-Bas/Japon/France, 1973-1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky le Viking) (Autriche/Allemagne/Japon, 1974), Maya l'abeille (Japon/Allemagne, 1975) et Le Livre de la Jungle (Italie/Japon, 1989).L'animation par ordinateur s'est développée progressivement depuis les années 1940. L'animation filaire 3D a commencé à apparaître dans le courant dominant dans les années 1970, avec une première (courte) apparition dans le thriller de science-fiction Futureworld (1976).

The Rescuers Down Under was the first feature film to be completely created digitally without a camera. It was produced using the Computer Animation Production System (CAPS), developed by Pixar in collaboration with The Walt Disney Company in the late 1980s, in a style similar to traditional cel animation.

The so-called 3D style, more often associated with computer animation, became the dominant technique following the success of Pixar's Toy Story (1995), the first computer-animated feature in this style.

Most of the cel animation studios switched to producing mostly computer-animated films around the 1990s, as it proved cheaper and more profitable. Not only the very popular 3D animation style was generated with computers, but also most of the films and series with a more traditional hand-crafted appearance, in which the charming characteristics of cel animation could be emulated with software, while new digital tools helped developing new styles and effects.

In 2010, the animation market was estimated to be worth circa US$80 billion. By 2021, the value had increased to an estimated US$370 billion. Animated feature-length films returned the highest gross margins (around 52%) of all film genres between 2004 and 2013. Animation as an art and industry continues to thrive as of the early 2020s.

The clarity of animation makes it a powerful tool for instruction, while its total malleability also allows exaggeration that can be employed to convey strong emotions and to thwart reality. It has therefore been widely used for other purposes than mere entertainment.

Durant la Seconde Guerre mondiale, l'animation fut largement exploitée à des fins de propagande. De nombreux studios américains , dont Warner Bros. et Disney, mirent leurs talents et leurs personnages de dessins animés au service de la propagande pour transmettre au public certaines valeurs liées à la guerre. Ces efforts s'étendirent à d'autres pays bien après le début de la Guerre froide , notamment dans le cadre de la lutte contre le communisme. Par exemple, l' adaptation anglaise de 1954 de La Ferme des animaux de George Orwell (le premier long métrage d'animation américain) aurait été financée par la CIA.

L'animation a connu un grand succès dans les publicités télévisées, grâce à son attrait visuel et à l'humour qu'elle peut véhiculer. Certains personnages animés de publicités ont traversé les décennies, comme Snap, Crackle et Pop dans les publicités pour les céréales Kellogg's. Tex Avery a produit les premières publicités Raid « Tue les insectes à mort » en 1966, qui ont rencontré un vif succès pour l'entreprise.

Outre leur succès au cinéma et à la télévision, de nombreux personnages de dessins animés se révéleraient également lucratifs lorsqu'ils seraient utilisés sous licence pour toutes sortes de produits dérivés et autres médias.

L'animation a toujours été étroitement liée à la bande dessinée . Si de nombreux personnages de BD ont été adaptés à l'écran (notamment au Japon, où de nombreux mangas sont adaptés en anime ), des personnages animés originaux apparaissent aussi fréquemment dans les bandes dessinées et les magazines. De même, les personnages et les scénarios des jeux vidéo (une forme d'animation interactive devenue un média à part entière) sont souvent inspirés du cinéma, et inversement.

Si de nombreuses sociétés d'animation exploitent commercialement leurs créations en dehors des médias audiovisuels, la Walt Disney Company en est l'exemple le plus connu et le plus extrême. Depuis l'obtention de la licence pour une tablette d'écriture pour enfants en 1929, sa mascotte Mickey Mouse a été représentée sur une quantité impressionnante de produits , tout comme de nombreux autres personnages Disney. Cela a pu influencer l' utilisation péjorative du nom de Mickey , mais les produits dérivés Disney se vendent bien et les objets de collection Disney (« Disneyana ») comptent de nombreux collectionneurs passionnés, et même un fan club dédié (depuis 1984).

Disneyland a ouvert ses portes en 1955 et propose de nombreuses attractions inspirées des personnages de dessins animés Disney. Son immense succès a engendré la création de plusieurs autres parcs à thème et complexes hôteliers Disney . Les revenus générés par les parcs à thème de Disney ont souvent été supérieurs à ceux de ses films.

La création d'œuvres d'animation d'une durée conséquente (c'est-à-dire supérieure à quelques secondes) s'est développée comme une forme de réalisation cinématographique , présentant certaines caractéristiques uniques. L'intensité du travail et les coûts de production élevés sont des traits communs aux longs métrages en prises de vues réelles et aux longs métrages d'animation.

La différence majeure réside dans le fait qu'une fois la production d'un film lancée, le coût marginal d'une prise supplémentaire est plus élevé pour les films d'animation que pour les films en prises de vues réelles. Il est relativement facile pour un réalisateur de demander une prise supplémentaire pendant le tournage principal d'un film en prises de vues réelles, mais chaque prise d'un film d'animation doit être réalisée manuellement par les animateurs (bien que l'animation par ordinateur moderne ait considérablement simplifié la tâche). Il serait inutile pour un studio de payer des dizaines d'animateurs pendant des semaines pour créer une scène de cinq minutes visuellement époustouflante si cette scène ne contribue pas efficacement à l'avancement de l'intrigue. C'est pourquoi, dès les années 1930, les studios d'animation, à commencer par Disney, ont instauré des départements de scénario où les storyboarders élaborent chaque scène à l'aide de storyboards , ne confiant le film aux animateurs qu'une fois l'équipe de production convaincue de la cohérence de l'ensemble. Bien que les films en prises de vues réelles soient désormais également scénarisés, ils bénéficient d'une plus grande latitude pour s'en écarter (c'est-à-dire une improvisation en temps réel). des planches de modèles pour illustrer l'apparence de chaque personnage avec différentes expressions faciales, dans différentes poses et sous différents angles. Dans les projets d'animation traditionnelle, des maquettes étaient souvent sculptées pour aider les animateurs à visualiser l'apparence des personnages sous différents angles.

Contrairement aux films en prises de vues réelles, les films d'animation étaient traditionnellement développés au-delà du synopsis grâce au storyboard ; les storyboarders étaient alors crédités comme scénaristes. Cette approche traditionnelle a fonctionné pendant plusieurs décennies car, avant les années 1960, seul Disney s'efforçait de produire régulièrement des longs métrages d'animation. Tous les autres studios d'animation, à quelques exceptions près, produisaient des courts métrages de quelques minutes seulement. Pour les courts métrages, il suffisait aux storyboarders de concevoir quelques gags visuels et de les assembler pour former une intrigue rudimentaire.

En 1960, Hanna-Barbera a été le pionnier du format sitcom animé long pour la télévision avec Les Pierrafeu . Hanna-Barbera et les autres studios d'animation télévisuelle de l'époque ont rapidement constaté que le storyboard était beaucoup trop inefficace pour remplir un épisode de trente minutes avec les budgets extrêmement serrés typiques de la télévision. Au cours des années 1960, ces studios ont expérimenté une méthode plus efficace pour développer le matériel narratif : un scénariste est engagé pour rédiger un scénario qui est approuvé puis remis aux dessinateurs de storyboard pour la réalisation du storyboard. Cette méthode crée d'importantes tensions entre scénaristes et dessinateurs de storyboard, certains artistes estimant que ceux qui ne savent pas dessiner ne devraient pas écrire pour l'animation, tandis que certains scénaristes pensent que les dessinateurs ne savent pas écrire. Malgré ces tensions, cette méthode est devenue et reste la méthode dominante utilisée par les studios d'animation pour développer aussi bien les longs métrages que les séries télévisées.

Paradoxalement, les studios Disney ont été relativement lents à adopter cette méthode. Le premier long métrage d'animation Disney à avoir bénéficié d'un scénario complet écrit et approuvé avant le storyboard fut Les 101 Dalmatiens (1961). Cependant, Les 101 Dalmatiens ne fut qu'une expérience éphémère ; le film Disney suivant à suivre cette méthode fut Basil, détective privé (1986).

Enfin, une autre différence majeure réside dans le fait que les acteurs enregistrent traditionnellement leurs voix pour les films d'animation lors de séances individuelles distinctes ; ils ne se rencontrent souvent pour la première fois qu'à l'occasion de l' avant-première du film . Les acteurs planifient généralement leurs séances d'enregistrement en studio en fonction de leurs engagements sur les tournages de films en prises de vues réelles. Dans le cinéma en prises de vues réelles, il est très fréquent que les acteurs abandonnent un projet en raison de conflits d'emploi du temps, tandis que dans l'animation, l'enregistrement séparé des acteurs permet de réunir un plus grand nombre de stars dans un même film que si ces acteurs devaient être physiquement présents sur le même plateau au même moment.