Rococo , moins communément Roccoco ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / ⓘ rə- KOH -koh , US aussi / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ; Français : [ ʁɔkɔko ] Le baroque ( prononcé [ ʁokoko ] ) ...
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ⓘ rə- KOH -koh, USFrançais: [ ʁɔkɔko ]Le baroque (prononcé [ ʁokoko ] ) est un style architectural, artistique etdécoratifapparu en France dans les années 1730 en réaction austyle Louis XIV. Il se caractérise par une ornementation abondante, des courbes fluides, l'asymétrie et une échelle réduite favorisant l'intimité. Il emploie la rocaillela dorureetaux moulures, utilisant des fresques en trompe-l'œil pour créer des illusions d'espace. Dans les arts visuels, les thèmes prédominants sont les loisirs aristocratiques et lapastorale, représentés dans des décors théâtraux. Il est souvent considéré comme l'expression ultime dumouvementbaroque et est parfois appelébaroque tardif.
Initialement connu sous le nom de architecture religieuse , il s'est largement répandu sous cette forme, en particulier en Europe centrale, au Portugal et en Amérique du Sud. À la fin du XVIIIe siècle, le rococo a été en grande partie remplacé par le néoclassicisme .
rococo est une déformation satirique du mot français rocaille , forgé par le peintre néoclassique Pierre-Maurice Quays (1777-1803). Historiquement, la rocaille désignait une technique de décoration des grottes et des fontaines artificielles à l'aide de galets, de coquillages et de ciment, utilisée depuis la Renaissance . À la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, le terme en vint à décrire un motif décoratif d'entrelacs de coquillages et de feuilles d'acanthe , apparu dans le style Louis XIV tardif. En 1736, le dessinateur et joaillier Jean Mondon publia Page de titre de l'ouvrage de Jean Mondon paru en 1736 et consacré aux motifs rocaille, gravée par Antoine Aveline . Cette série marque la première apparition du terme « rocaille » dans un ouvrage imprimé pour décrire un style esthétique.
Le terme « rococo » apparaît pour la première fois dans un ouvrage imprimé en 1825, employé par les critiques comme un terme péjoratif désignant une décoration jugée « démodée et ringarde ». Dès 1828, il décrit des décorations « caractéristiques du style du XVIIIe siècle, surchargées d’ornements torsadés ». En 1829, l’auteur Stendhal définit le rococo comme « le style rocaille du XVIIIe siècle », marquant ainsi une évolution vers une description historique plus objective.
Tout au long du XIXe siècle, le terme était souvent employé de manière péjorative pour désigner une architecture ou une musique caractérisée par une ornementation excessive. Vers le milieu du XIXe siècle, les historiens de l'art acceptèrent largement le terme. Aujourd'hui, les historiens de l'art reconnaissent le rococo comme une période distincte de l'art européen.
Caractéristiques
Détail du plafond de l' abbaye de Zwiefalten , en Allemagne (1739-1745), illustrant la synthèse rococo de la fresque illusionniste, de l'architecture dorée et du stuc moulé.
L'ornementation rococo repose sur des courbes, des contre-courbes, des formes ondulantes et des motifs inspirés de la nature. Les bâtiments présentent souvent des extérieurs sobres contrastant avec des intérieurs richement décorés, conçus pour surprendre le visiteur. Les plans des églises utilisent des ovales imbriqués pour créer des espaces intérieurs complexes. Dans les palais, de grands escaliers constituent des points focaux centraux offrant de multiples perspectives sur les décorations. Les pièces sont souvent ornées de boiseriesla rocaille , l'acanthe et les rinceaux feuillagés , les oiseaux, les fleurs, les fruits, les instruments de musique et les putti . Le rococo inclut également la chinoiserie , avec ses pagodes stylisées , ses dragons , ses fleurs exotiques, ses figures idéalisées d'Asie orientale et ses singeriesmarqué et contrasté , le rococo privilégie les couleurs pastel telles que les jaunes doux, les crèmes, les gris perle et les bleus pâles. Dans l'organisation spatiale, l'attention se déplace des grands espaces publics vers les pièces privées. Les vastes galeries d'apparat sont souvent divisées en appartements plus petits. Le mobilier est adapté à ces espaces et conçu pour s'harmoniser avec les boiseries sculptées, créant ainsi un intérieur unifié appelé «Capitale rococo de l' abbaye d'Engelszell , Autriche (1754–1764)
rocaille , ou rococo français, apparut à Paris sous le règne de Louis XV et connut son apogée entre 1723 et 1759 environ. Le rococo français se caractérise notamment par un art exceptionnel et l'utilisation de formes végétales (vignes, feuilles, fleurs) entrelacées dans des compositions complexes. Ce style était particulièrement employé dans les salons, nouveaux types de pièces conçus pour impressionner et divertir les invités. L'exemple le plus remarquable est le salon de la princesse à l'hôtel de Soubise à Paris, conçu par Germain Boffrand et Charles-Joseph Natoire entre 1735 et 1740.
Le mobilier de cette époque présente également les courbes sinueuses et les motifs végétaux caractéristiques du style, notamment dans les cadres complexes destinés aux miroirs et aux tableaux, sculptés en plâtre et souvent dorés. Parmi les principaux créateurs et artisans de meubles de ce style, on peut citer Juste-Aurèle Meissonier , Charles Cressent et Nicolas Pineau .
Le rococo français n'a jamais atteint l'extravagance du style bavarois, autrichien ou italien. Persévérant jusqu'au milieu du XVIIIe siècle, les découvertes d'antiquités romaines à Herculanum en 1738 et à Pompéi en 1748 ont orienté l'architecture française vers un néoclassicisme plus symétrique et moins flamboyant .
En Italie, et plus particulièrement à Venise , les artistes ont produit leur propre version du style rococo. Les commodes vénitiennes imitaient les lignes courbes et les ornements sculptés de la rocaille française, mais avec une variante vénitienne particulière : les pièces étaient peintes – souvent des paysages, des fleurs, des scènes de Guardi ou d’autres peintres, ou des chinoiseries – sur un fond bleu ou vert, reprenant les couleurs de l’ école vénitienne de peintres dont les œuvres ornaient les salons.
Parmi les peintres décorateurs les plus remarquables, on peut citer Giovanni Battista Crosato , qui a peint le plafond de la salle de bal du Ca' Rezzonico dans le style quadraturo , et Giovanni Battista Tiepolo , qui a réalisé des plafonds et des fresques dans des églises et des palais. Tiepolo voyagea en Allemagne avec son fils de 1750 à 1753, où il décora les plafonds de la Résidence de Wurtzbourg , un des édifices emblématiques du rococo bavarois. Un autre peintre vénitien de renom fut Giovanni Battista Piazzetta , qui réalisa plusieurs plafonds d'églises remarquables.
Le style rococo vénitien se caractérisait également par une verrerie exceptionnelle, notamment le verre de Murano , souvent gravé et coloré, exporté dans toute l'Europe. Parmi les œuvres figuraient des lustres multicolores et des miroirs aux cadres extrêmement ornés.
Le style décoratif rococo connut son apogée dans le sud de l'Allemagne et en Autriche des années 1730 aux années 1770. Il y domine encore aujourd'hui le paysage religieux et est profondément ancré dans la culture populaire. Il fut introduit depuis la France par le biais des publications et des œuvres d'architectes et de décorateurs français, parmi lesquels le sculpteur Claude III Audran , le décorateur d'intérieur Gilles-Marie Oppenordt , l'architecte Germain Boffrand , le sculpteur Jean Mondon et le dessinateur et graveur Pierre Lepautre . Leurs travaux exercèrent une influence importante sur le style rococo allemand, sans toutefois atteindre l'extravagance des édifices du sud de l'Allemagne.
Les architectes allemands ont adapté le style rococo en le rendant beaucoup plus asymétrique et ornementé que le style français d'origine. Le style allemand se caractérisait par une profusion de formes qui déferlaient sur les murs. On y trouvait des moulures en courbes et contre-courbes, des motifs sinueux et des feuillages en stuc qui semblaient grimper le long des murs et se prolonger sur le plafond. La décoration était souvent dorée ou argentée pour créer un contraste avec les murs blancs ou aux teintes pastel pâles.
L'un des premiers édifices rococo d'Allemagne, le pavillon d' Amalienburg à Munich (1734-1739), fut créé par l'architecte et designer d'origine belge François de Cuvilliés , qui s'inspira des pavillons du Grand Trianon et du château de Marly en France. Il fut construit comme pavillon de chasse, avec une plateforme sur le toit pour la chasse au faisan. La galerie des Glaces intérieure, œuvre du peintre et sculpteur sur stuc Johann Baptist Zimmermann, est bien plus élaborée que n'importe quel édifice rococo français.
Un autre exemple remarquable du style rococo allemand primitif est la résidence de Wurtzbourg (1720-1744), commandée par le prince-évêque Johann Philipp Franz von Schönborn . Au début de la construction du palais, l'architecte de la cour, Balthasar Neumann, se rendit à Paris et consulta les décorateurs rocaille français Germain Boffrand et Robert de Cotte . Si l'extérieur du palais est de style baroque plus sobre, l'intérieur, notamment les escaliers et les plafonds, est beaucoup plus extravagant. Neumann décrivit l'intérieur de la résidence comme un « théâtre de lumière ». De 1750 à 1753, le peintre rococo italien Giovanni Battista Tiepolo fut invité à réaliser une fresque au-dessus du grand escalier d'apparat à trois niveaux. Neumann a également conçu l'emblématique escalier rococo du château d'Augustusburg à Brühl (1725–1768), qui conduit les visiteurs à travers un univers fantastique de peintures, de sculptures et de ferronneries, avec des vues surprenantes à chaque tournant.
Dans les années 1740 et 1750, plusieurs églises de pèlerinage furent construites en Bavière , leurs intérieurs étant décorés dans une variante particulière du style rococo. L'un des exemples les plus remarquables est la Wieskirche (1745-1754), conçue par Dominikus Zimmermann . Comme la plupart des églises de pèlerinage bavaroises, son extérieur est d'une grande simplicité, avec des murs aux teintes pastel et peu d'ornements. En entrant, le visiteur est frappé par l'harmonie saisissante entre l'art et la forme. Le sanctuaire ovale, précédé à l'ouest d'une antichambre semi-circulaire, baigne l'édifice de lumière. Les murs blancs contrastent avec les colonnes en stuc bleu et rose du chœur, et la coupole est peinte de manière à représenter un ciel ouvert survolé par des anges. Parmi les autres églises de pèlerinage bavaroises notables figurent la basilique des Quatorze Saints Auxiliaires de Balthasar Neumann (1743-1772), et l'abbaye d'Ottobeuren (1748-1766) de Johann Michael Fischer , qui présente, comme une grande partie de l'architecture rococo allemande, un contraste remarquable entre la régularité de sa façade et la surabondance de décoration de son intérieur.
En Grande-Bretagne, le rococo a eu moins d'influence sur le design et les arts décoratifs qu'en Europe continentale, même si son influence s'est tout de même fait sentir dans des domaines tels que l'orfèvrerie, la porcelaine et le mobilier.
Au début du XVIIIe siècle, le mobilier anglais s'inspirait du modèle néoclassique palladien sous l'impulsion du designer William Kent , qui créait des pièces pour Lord Burlington et d'autres mécènes importants. De ce fait, le style rococo tarda à s'implanter en Angleterre, apparaissant pour la première fois dans les années 1730 grâce aux œuvres d'artistes immigrés et de réfugiés huguenots venus de France, parmi lesquels l'orfèvre Paul de Lamerie . La St Martin's Lane Academy , fondée par William Hogarth en 1735, joua également un rôle essentiel dans la diffusion du style rococo auprès des designers et des artistes anglais.
Le style rococo connut son apogée en Angleterre entre 1740 et 1770. Afin de concurrencer les produits français importés, les créateurs de meubles développèrent un style rococo typiquement britannique, principalement appliqué à la sculpture sur bois. Le plus influent d'entre eux fut Thomas Chippendale , dont l'ouvrage de 1754, *The Gentleman and Cabinet Maker's Director* , catalogue de modèles de meubles rococo, chinois et gothiques, rencontra un vif succès. Contrairement aux créateurs français, Chippendale n'utilisa ni marqueterie ni incrustations dans ses meubles. Les principaux créateurs de meubles incrustés étaient Vile et Cob, ébénistes du roi George III . Une autre figure importante du mobilier britannique fut Thomas Johnson , qui publia en 1761 un catalogue de modèles de meubles rococo. Celui-ci comprenait des pièces inspirées de motifs chinois et indiens parfois extravagants, dont un lit à baldaquin surmonté d'une pagode chinoise (aujourd'hui conservé au Victoria and Albert Museum ).
Une autre figure notable du style rococo britannique est l'orfèvre Charles Friedrich Kandler.
Projet de commode et de lampadaire par Thomas Chippendale (1753–1754)
Chaise d'appoint ; Thomas Chippendale ; Metropolitan Museum of Art (New York)
Modèle de chandeliers de style « chinois » par Thomas Johnson (1756)
Russie
La Grande Église du Palais d'Hiver conserve aujourd'hui son décor rococo d'origine. Son bulbe est l'un des rares vestiges de l'architecture russe ancienne visibles de l'extérieur. Peinture d' Eduard Hau .
Les travaux de Rastrelli dans des palais tels que le Palais d'Hiver à Saint-Pétersbourg et le Palais Catherine à Tsarskoïe Selo intégraient de nombreux éléments de l'architecture rococo d'Europe occidentale, notamment de vastes salles ornées de feuilles d'or, de miroirs et de grandes fenêtres laissant entrer la lumière naturelle à l'intérieur, ainsi que des teintes pastel douces encadrées par de grandes fenêtres à auvent et des corniches à l'extérieur, ornées de motifs rocaille, tels que des coquillages et des rochers asymétriques. Les plafonds présentaient souvent des volutes rococo entourant des peintures allégoriques de dieux et de déesses de la Grèce et de la Rome antiques. Les sols étaient fréquemment incrustés de marqueterie composée de différentes essences de bois, créant ainsi des motifs élaborés dans les boiseries.
L’architecture des églises orthodoxes russes a également été fortement influencée par le style rococo au XVIIIe siècle, présentant souvent un plan en croix grecque carrée à quatre ailes équidistantes. Les extérieurs étaient peints dans des tons pastel clairs tels que le bleu et le rose, et les clochers étaient souvent surmontés de dômes bulbeux dorés.
L'art de François Boucher et d'autres peintres de l'époque, avec son accent sur la mythologie décorative et la galanterie, suscita rapidement une réaction et une demande pour des thèmes plus « nobles ». Tandis que le rococo se poursuivait en Allemagne et en Autriche, l' Académie de France à Rome commença à enseigner le style classique. Cette orientation fut confirmée par la nomination de Jean-François de Troy à la direction de l'Académie en 1738, puis en 1751 par Charles-Joseph Natoire .
Madame de Pompadour , favorite de Louis XV, contribua au déclin du style rococo. En 1750, elle envoya son frère, Abel-François Poisson de Vandières , en mission de deux ans en Italie afin d'étudier les développements artistiques et archéologiques. Il était accompagné de plusieurs artistes, dont le graveur Charles-Nicolas Cochin et l'architecte Soufflot . Ils revinrent à Paris animés d'une véritable passion pour l'art classique. Vandières devint marquis de Marigny et fut nommé directeur général des Bâtiments du Roi . Il orienta l'architecture officielle française vers le néoclassicisme. Cochin devint un critique d'art influent ; il dénonça le petit style de Boucher et plaida pour un style grandiose, mettant l'accent sur l'Antiquité et la noblesse au sein des académies de peinture et d'architecture.
Le déclin du rococo commença au début des années 1760, lorsque des personnalités comme Voltaire et Jacques-François Blondel commencèrent à critiquer la superficialité et la dégénérescence de cet art. Blondel dénonça le « ridicule fouillis de coquillages, de dragons, de roseaux, de palmiers et de plantes » dans les intérieurs contemporains.
En 1785, le rococo se démoda en France, supplanté par l'ordre et la rigueur des artistes néoclassiques tels que Jacques-Louis David . En Allemagne, le rococo de la fin du XVIIIe siècle fut tourné en ridicule sous le nom de « Zopf und Perücke » (« queue de cochon et perruque »), et cette phase est parfois appelée « Zopfstil ». Le rococo conserva une certaine popularité dans certains Länder allemands et en Italie, jusqu'à l'arrivée, sous les gouvernements napoléoniens, de la seconde phase du néoclassicisme qui le fit disparaître.
Mobilier et décoration
Le style ornemental appelé rocaille apparut en France entre 1710 et 1750, principalement sous la Régence et le règne de Louis XV ; ce style était également connu sous le nom de style Louis-Quinze . Ses principales caractéristiques étaient le pittoresque des détails, les courbes et contre-courbes, l’asymétrie et une exubérance théâtrale. Sur les murs des nouveaux salons parisiens, les motifs sinueux et tortueux, généralement en stuc doré ou peint, s’enroulaient autour des portes et des miroirs comme des vignes. L’un des premiers exemples en fut l’ Hôtel Soubise à Paris (1704-1705), avec son célèbre salon ovale orné de tableaux de Boucher et de Charles-Joseph Natoire .
Le plus célèbre créateur de meubles français de l'époque fut Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), également sculpteur, peintre et orfèvre au service de la cour. Il occupa le poste de décorateur officiel de la Chambre et du Cabinet de Louis XV. Son œuvre est aujourd'hui célèbre grâce aux nombreuses gravures qui ont popularisé son style à travers l'Europe. Il réalisa également des meubles pour les familles royales de Saxe et du Portugal .
L'Italie fut un autre foyer du style rococo, tant dans ses premières phases que dans ses phases plus tardives. Les artisans de Rome, Milan et Venise produisaient tous des meubles et des objets décoratifs richement ornés.
Projet de char d'Apollon pour un plafond du comte Bielinski par Meissonier , Varsovie, Pologne (1734)
Canapé conçu par Meissonnier pour le comte Bielinski, Varsovie, Pologne (1735)
Console, Rome, Italie ( consoles , tables conçues pour être placées contre les murs. Les commodes , apparues sous Louis XIV, étaient richement décorées d'ornements rocaille en bronze doré. Elles étaient réalisées par des maîtres artisans tels que Jean-Pierre Latz et présentaient également une marqueterie de bois de différentes couleurs, parfois agencée en motifs cubiques évoquant une planche à dessin, mêlant essences claires et foncées. Cette période vit également l'arrivée de la chinoiserie , souvent sous la forme de commodes laquées et dorées, appelées « faucon de Chine » de Vernis Martin , du nom de l'ébéniste qui introduisit cette technique en France. L'ormolu , ou bronze doré, était utilisé par des maîtres artisans comme Jean-Pierre Latz . Ce dernier réalisa une horloge particulièrement ornée, montée sur un cartonnier, pour Frédéric le Grand, pour son palais de Potsdam . porcelaine chinoise importée étaient souvent montées dans des montures rococo en bronze doré pour être exposées sur des tables ou des consoles dans les salons. D'autres artisans imitaient les meubles laqués japonais et produisaient des commodes ornées de motifs japonais.
Antoine Watteau , en particulier avec L'Embarquement pour Cythère (1717), conservé au Louvre , appartenant au genre de la fête galante et représentant des scènes de jeunes nobles réunis pour célébrer dans un cadre pastoral. Watteau meurt en 1721 à l'âge de trente-sept ans, mais son œuvre continue d'exercer une influence jusqu'à la fin du siècle. Une version de son tableau, intitulée Pèlerinage à Cythère , est acquise par Frédéric le Grand de Prusse en 1752 ou 1765 pour décorer son palais de Charlottenburg à Berlin.
En Autriche et dans le sud de l'Allemagne, la peinture italienne exerça la plus grande influence sur le style rococo. Le peintre vénitien Giovanni Battista Tiepolo , assisté de son fils Giovanni Domenico Tiepolo , fut invité à réaliser des fresques pour la résidence de Wurtzbourg (1720-1744). Le peintre le plus renommé des églises rococo bavaroises fut Johann Baptist Zimmermann , qui peignit le plafond de la Wieskirche (1745-1754).
L'ivresse du vin par Claude Michel (Clodion), terre cuite, années 1780-1790
La sculpture rococo, théâtrale, sensuelle et dynamique, donnait une impression de mouvement dans toutes les directions. On la trouvait le plus souvent à l'intérieur des églises, généralement en harmonie avec la peinture et l'architecture. La sculpture religieuse s'inspirait du style baroque italien, comme en témoigne le retable théâtral de l'église Saint-Charles-de-la-Charles à Vienne.
Les premières sculptures rococo, ou rocaille, en France, étaient plus légères et plus dynamiques que le style classique de Louis XIV. Elles furent notamment encouragées par Madame de Pompadour , favorite de Louis XV, qui commanda de nombreuses œuvres pour ses châteaux et jardins. Le sculpteur Edmé Bouchardon représenta Cupidon taillant ses flèches d'amour dans la massue d' Hercule . Les figures rococo ornaient également les fontaines plus tardives de Versailles , comme la fontaine de Neptune de Lambert-Sigisbert Adam et Nicolas-Sébastien Adam (1740). Forts de leur succès à Versailles, ils furent invités en Prusse par Frédéric le Grand pour créer des sculptures pour les fontaines du parc de Sanssouci (années 1740).
En Italie, Antonio Corradini fut l'un des sculpteurs les plus importants du style rococo. Vénitien, il voyagea à travers l'Europe, travaillant pour Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg, ainsi que pour les cours d' Autriche et de Naples . Il privilégiait les thèmes sentimentaux et réalisa plusieurs œuvres remarquables représentant des femmes au visage voilé, dont l'une est aujourd'hui conservée au Louvre .
Les exemples les plus élaborés de sculpture rococo se trouvaient en Espagne, en Autriche et dans le sud de l'Allemagne, dans la décoration des palais et des églises. La sculpture était intimement liée à l'architecture ; il était impossible de distinguer où l'une s'arrêtait et où l'autre commençait. Au palais du Belvédère à Vienne (1721-1722), la voûte de la salle des Atlantes repose sur les épaules de figures musclées conçues par Johann Lukas von Hildebrandt . Le portail du palais du marquis de Dos Aguas à Valence (1715-1776) était entièrement recouvert de sculptures en marbre, d'après des dessins d'Hipolito Rovira Brocandel.
L’ autel El Transparente , dans la chapelle principale de la cathédrale de Tolède, est une sculpture imposante en marbre polychrome et stuc doré, ornée de peintures, de statues et de symboles. Œuvre de Narciso Tomé (1721-1732), sa conception permet à la lumière de le traverser, et il semble ainsi s’animer au gré des variations de lumière.
Porcelaine
Une nouvelle forme de sculpture miniature fit son apparition : la figurine en porcelaine , ou petit groupe de figurines. Elle remplaça d’abord les sculptures en sucre sur les grandes tables de salle à manger, mais devint rapidement populaire pour orner les cheminées et les meubles. Le nombre de manufactures européennes augmenta régulièrement tout au long du siècle, et certaines produisirent de la porcelaine à un prix abordable pour la bourgeoisie en pleine expansion. La richesse des décors colorés sur émail s’accrut également. Ces figurines étaient généralement modelées par des artistes formés à la sculpture. Parmi les sujets courants figuraient des personnages de la commedia dell’arte , des marchands ambulants, des amoureux, des personnages vêtus à la mode et des couples d’oiseaux.
Johann Joachim Kändler fut le plus important modeleur de la porcelaine de Meissen , la plus ancienne manufacture européenne, qui demeura la plus importante jusqu'aux alentours de 1760. Le sculpteur allemand d'origine suisse Franz Anton Bustelli réalisa une grande variété de figurines colorées pour la manufacture de porcelaine de Nymphenburg en Bavière, vendues dans toute l'Europe. Le sculpteur français Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) suivit cet exemple. Tout en réalisant également des œuvres de grande taille, il devint directeur de la manufacture de porcelaine de Sèvres et produisit des œuvres de petit format, généralement sur le thème de l'amour et de la gaieté, destinées à la production en série.
In the second half of the 18th century, a reaction against the Rococo style occurred, primarily against its perceived overuse of ornamentation and decoration. Led by Christoph Willibald Gluck, this reaction ushered in the Classical era. By the early 19th century, Catholic opinion had turned against the suitability of the style for ecclesiastical contexts because it was "in no way conducive to sentiments of devotion".
Sack-back gown and petticoat, 1775–1780 V&A Museum no. T.180&A-1965
Rococo fashion was based on extravagance, elegance, refinement and decoration. Women's fashion of the seventeenth-century was contrasted by the fashion of the eighteenth-century, which was ornate and sophisticated, the true style of Rococo. These fashions spread beyond the royal court into the salons and cafés of the ascendant bourgeoisie. The exuberant, playful, elegant style of decoration and design that we now call 'Rococo' was then known as le style rocaille, le style moderne, le gout.
A style that appeared in the early eighteenth-century was the robe volante, a flowing gown, that became popular towards the end of King Louis XIV's reign. This gown had the features of a bodice with large pleats flowing down the back to the ground over a rounded petticoat. The colour palette was rich, dark fabrics accompanied by elaborate, heavy design features. After the death of Louis XIV the clothing styles began to change. The fashion took a turn to a lighter, more frivolous style, transitioning from the baroque period to the well-known style of Rococo. The later period was known for their pastel colours, more revealing frocks, and the plethora of frills, ruffles, bows, and lace as trims. Shortly after the typical women's Rococo gown was introduced, robe à la Française, a gown with a tight bodice that had a low cut neckline, usually with a large ribbon bows down the centre front, wide panniers, and was lavishly trimmed in large amounts of lace, ribbon, and flowers.
The Watteau pleats also became more popular, named after the painter Jean-Antoine Watteau, who painted the details of the gowns down to the stitches of lace and other trimmings with immense accuracy. Later, the 'pannier' and 'mantua' became fashionable around 1718. They were wide hoops under the dress to extend the hips out sideways and they soon became a staple in formal wear. This gave the Rococo period the iconic dress of wide hips combined with the large amount of decoration on the garments. Wide panniers were worn for special occasions, and could reach up to Madame de Pompadour, who commissioned the artist, Charles-André van Loo, to paint her as a Turkish sultana.
In the 1760s, a style of less formal dresses emerged and one of these was the polonaise, with inspiration taken from Poland. It was shorter than the French dress, allowing the underskirt and ankles to be seen, which made it easier to move around in. Another dress that came into fashion was the robe a l'anglais, which included elements inspired by the males' fashion; a short jacket, broad lapels and long sleeves. It also had a snug bodice, a full skirt without panniers but still a little long in the back to form a small train, and often some type of lace kerchief worn around the neck. Another piece was the 'redingote', halfway between a cape and an overcoat.
Accessories were also important to all women during this time, as they added to the opulence and the decor of the body to match their gowns. At any official ceremony ladies were required to cover their hands and arms with gloves if their clothes were sleeveless.
Unknown artist. Allegories of astronomy and geography. France (?),
A. Avelin after Mondon le Fils. L′Heureux moment. 1736
A. Avelin after Mondon le Fils. Chinese God. An engraving from the ouvrage «Quatrieme livre des formes, orneė des rocailles, carteles, figures oyseaux et dragon» 1736
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