Composition (arts visuels)

En arts visuels , la composition (qui signifie « agencement ») désigne l'organisation d'une œuvre. Ce terme est souvent employé de manière interchangeable avec divers termes tels que design, forme, agencement visuel ou structure formelle, selon le contexte. En graphisme pour la presse et la PAO , la composition est couramment appelée mise en page .

La composition d'un tableau diffère de son sujet (ce qui est représenté), qu'il s'agisse d'un moment d'une histoire, d'une personne ou d'un lieu. De nombreux sujets, comme saint Georges terrassant le dragon , sont fréquemment représentés dans l'art, mais selon une grande variété de compositions, même si les deux personnages sont généralement les seuls à être montrés.

L'élément visuel central, appelé élément de design , élément formel ou élément artistique, constitue le vocabulaire avec lequel l'artiste visuel compose. Ces éléments, au sein de la composition globale, sont généralement liés entre eux et à l'œuvre d'art dans son ensemble.

Les éléments du design sont :

• Ligne — le chemin visuel qui permet à l'œil de se déplacer à l'intérieur de l'œuvre
• Forme — zones définies par des contours à l'intérieur de la pièce, qu'ils soient géométriques ou organiques
• Couleur — teintes avec leurs différentes valeurs et intensités
• Texture — qualités de surface qui se traduisent par des illusions tactiles
• Valeur — Ombrage utilisé pour souligner la forme
• Forme — Longueur, largeur ou profondeur en 3D
• L'espace — l'espace occupé par (positifs) ou entre (négatifs) les objets

Les lignes sont des phénomènes optiques qui permettent à l'artiste de guider le regard du spectateur. L'illusion d'optique des lignes existe dans la nature et, en arts visuels, les éléments peuvent être agencés de manière à la créer. Le spectateur « lit » inconsciemment l'image à travers la disposition continue de différents éléments et sujets à des distances variables. Ces éléments peuvent jouer un rôle dramatique dans la composition de l'image. Il peut s'agir de lignes littérales, comme des câbles téléphoniques et électriques ou le gréement d'un bateau. Les lignes peuvent également provenir des frontières de couleurs ou de contrastes différents, ou de séquences d'éléments discrets. Le mouvement est aussi une source de lignes, le flou du mouvement se traduisant par une ligne.

Les lignes de fond contribuent à l'atmosphère et à la perspective linéaire , donnant au spectateur l'illusion de profondeur. Les lignes obliques suggèrent le mouvement, tandis que les lignes angulaires évoquent généralement le dynamisme et parfois la tension. Les lignes peuvent également diriger le regard vers le sujet principal ou contribuer à l'organisation de l'image en la divisant en compartiments. L'artiste peut exagérer ou créer des lignes, peut-être dans le cadre de son message au spectateur. Un excès de lignes sans point focal clair suggère le chaos dans l'image et peut nuire à l'atmosphère que l'artiste cherche à susciter.

L'angle d'une ligne et son rapport à la taille du cadre influencent la perspective de l'image. Les lignes horizontales, fréquentes en photographie de paysage , peuvent donner une impression de calme, de tranquillité et d'espace. Une image riche en lignes verticales marquées tend à suggérer la hauteur et la grandeur. Des lignes convergentes et anguleuses confèrent à l'image un effet dynamique, vivant et actif. Des lignes bien droites, presque diagonales, créent une tension visuelle. Le point de vue est fondamental en art visuel, car chaque perspective différente perçoit les lignes sous un angle différent. Ce changement de perspective suscite une réaction différente face à l'image. Modifier l'angle des lignes de quelques degrés ou de quelques centimètres seulement peut avoir un impact considérable et transmettre une émotion particulière. Les lignes droites sont également fortement influencées par la tonalité, la couleur et la répétition des éléments du reste de l'image.

Comparées aux lignes droites, les courbes confèrent une plus grande dynamique à une image. Elles sont aussi généralement plus esthétiques, car le spectateur les associe à la nature et à la douceur. En photographie, les lignes courbes peuvent créer des ombres dégradées lorsqu'elles sont associées à un éclairage directionnel doux, ce qui aboutit généralement à une structure linéaire très harmonieuse au sein de l'image. Il existe deux principaux types de courbes : la courbe en « C » simple et la courbe en « S » plus sinueuse .

La couleur possède trois propriétés : la teinte, la luminosité (ou saturation) et la valeur. La teinte est le nom d'une couleur (rouge, jaune, bleu, etc.). La luminosité et la saturation font référence à l'intensité et à la force de la couleur. Une couleur à saturation élevée est plus pure et moins grise qu'une couleur à saturation faible. La clarté ou l'obscurité d'une couleur correspond à sa valeur. La couleur a également le pouvoir d'influencer nos émotions. Ainsi, nous pouvons l'utiliser pour créer une ambiance. Elle peut aussi servir à définir le ton, le motif, la lumière, le mouvement, le symbole, la forme, l'harmonie et le contraste.

La texture désigne la sensation tactile d'un objet ou l'impression qu'il donne au toucher. On perçoit la texture de deux manières : physiquement et optiquement. Différentes techniques permettent de créer une texture physique, qui rend visibles et palpables les qualités visuelles d'une œuvre d'art. Cela concerne notamment des surfaces comme le métal, le sable et le bois. La texture optique, quant à elle, crée l'illusion d'une texture physique. La photographie, la peinture et le dessin utilisent la texture visuelle pour un rendu plus réaliste.

En arts visuels, la clarté et l'obscurité sont désignées par le terme de valeur. La valeur décrit la manière dont la lumière se reflète sur les objets et dont nous la percevons. Plus la lumière réfléchie est importante, plus la valeur est élevée. Le blanc correspond à la valeur la plus élevée (ou la plus claire), tandis que le noir correspond à la valeur la plus basse (ou la plus sombre). Les couleurs possèdent également des valeurs ; par exemple, le jaune a une valeur élevée, tandis que le bleu et le rouge ont des valeurs faibles. Si l'on photographie une scène colorée en noir et blanc, il ne reste que les valeurs. Cet élément fondamental du design, notamment en peinture et en dessin, permet à l'artiste de créer l'illusion de la lumière grâce au contraste des valeurs.

Le terme « forme » peut revêtir différentes significations en arts visuels. La forme évoque un objet tridimensionnel dans l’espace. Elle désigne également la nature physique de l’œuvre, comme les sculptures. On peut aussi la considérer comme une forme artistique, qui s’exprime à travers les beaux-arts. Une forme possède un volume, une longueur, une largeur et une hauteur, contrairement à une figure, qui est bidimensionnelle. Les formes mathématiques, telles que la sphère, la pyramide, le cube, le cylindre et le cône, sont appelées formes géométriques. Les formes organiques sont généralement irrégulières et asymétriques. On les retrouve dans la nature, notamment dans les fleurs, les rochers et les arbres, mais aussi en architecture.

En dessin et en peinture, les formes donnent l'illusion du volume grâce à la lumière, aux ombres, aux valeurs et aux tons. Plus le contraste des valeurs est marqué, plus le volume paraît prononcé. Les formes peu contrastées semblent plus plates que celles présentant une plus grande variété de valeurs.

L'espace est la zone qui entoure, surplombe et se trouve à l'intérieur d'un objet. Les photographes peuvent capturer l'espace, les architectes le construisent et les peintres le créent. Cet élément est présent dans chacun des arts visuels. Il peut être positif ou négatif, ouvert ou fermé, superficiel ou profond, bidimensionnel ou tridimensionnel. En dessin ou en peinture, l'espace n'est pas physiquement présent, mais son illusion l'est. L'espace positif est le sujet de l'œuvre. Les espaces vides autour, au-dessus et à l'intérieur constituent l'espace négatif .

Il existe de nombreuses approches, ou « techniques de composition », pour parvenir à un sentiment d'unité au sein d'une œuvre d'art, selon les objectifs de l'artiste. Par exemple, une œuvre d'art est considérée comme esthétiquement plaisante si ses éléments sont agencés de manière équilibrée. Cependant, certains artistes, comme Salvador Dalí, cherchent à bouleverser la composition traditionnelle et invitent le spectateur à repenser l'équilibre et les éléments de design dans les œuvres d'art.

La composition conventionnelle peut être obtenue grâce à un certain nombre de techniques :

La règle des tiers est un principe de composition qui stipule que disposer les éléments importants d'une image sur ou près des lignes horizontales et verticales qui la divisent en tiers est visuellement harmonieux. L'objectif est d'éviter que les sujets et les zones d'intérêt (comme l'horizon) ne coupent l'image en deux, en les plaçant près de l'une de ces lignes, idéalement à leur intersection.

La règle des tiers est considérée comme une simplification du nombre d'or . On pense que le nombre d'or a été utilisé par les artistes à travers l'histoire comme guide de composition, mais peu d'éléments viennent étayer cette affirmation .

La « règle des impairs » suggère qu'un nombre impair de sujets dans une image est plus intéressant qu'un nombre pair. Ainsi, si votre photo comporte plusieurs sujets, il est conseillé d'en choisir au moins trois. Un nombre pair de sujets crée des symétries dans l'image, ce qui peut paraître moins naturel pour une composition naturaliste et informelle.

Par exemple, l'image d'une personne entourée/encadrée par deux autres personnes, où la personne au centre est l'objet d'intérêt de cette image/œuvre d'art, a plus de chances d'être perçue comme amicale et réconfortante par le spectateur qu'une image d'une seule personne sans environnement significatif.

La règle de l'espace s'applique aux œuvres d'art (photographie, publicité, illustration) représentant des objets auxquels l'artiste souhaite appliquer l'illusion du mouvement, ou qui sont censées créer une bulle contextuelle dans l'esprit du spectateur.

Cela peut se faire, par exemple, en laissant un espace blanc dans la direction du regard du personnage représenté, ou, lorsqu’on représente un coureur, en ajoutant un espace blanc devant lui plutôt que derrière lui pour indiquer le mouvement. Des études menées auprès de participants naïfs ont confirmé cette préférence.

Les images surchargées peuvent détourner l'attention des éléments principaux et rendre le sujet difficile à identifier. En réduisant le contenu superflu, le regard du spectateur est plus facilement attiré par les objets principaux. L'éclairage peut également contribuer à alléger l'image : les zones claires, les lignes, les formes carrées et les couleurs attirent naturellement le regard. En peinture, l'artiste peut utiliser des coups de pinceau moins précis et moins nets vers les bords du tableau, en simplifiant les éléments au niveau du sujet principal et en ne conservant que les éléments essentiels.

En photographie, et également (par simulation logicielle des limitations réelles des objectifs) en infographie 3D , une méthode pour simplifier la prise de vue consiste à utiliser une grande ouverture afin de limiter la profondeur de champ . Correctement employée dans les bonnes conditions, cette technique permet de flouter tout ce qui n'est pas le sujet principal.

Une approche similaire, avec le matériel adéquat, consiste à exploiter le principe de Scheimpflug pour modifier le plan de mise au point.

Liée à la règle des probabilités, l'observation selon laquelle les triangles constituent une forme implicite esthétiquement plaisante au sein d'une image est pertinente. Sur un visage considéré comme harmonieux, la bouche et les yeux se situent aux sommets d'un triangle équilatéral. Paul Cézanne a utilisé avec brio les triangles dans ses natures mortes . Un format triangulaire confère une impression de stabilité et de force.

On considère généralement qu'une image est plus agréable à regarder si elle invite le regard à se promener, plutôt que de se fixer immédiatement sur un point précis, voire sur aucun point en particulier. Les artistes s'efforcent souvent d'éviter les compositions statiques ou plates en y intégrant du mouvement. Dans l'image A, les deux montagnes sont de taille identique et côte à côte, ce qui crée une image très statique et sans intérêt. Dans l'image B, les montagnes sont de tailles différentes et l'une d'elles est plus proche de l'horizon, guidant le regard d'une montagne à l'autre et créant ainsi une image plus intéressante et plus harmonieuse. Cette disposition paraît également plus naturelle, car dans la nature, les objets sont rarement de taille identique et régulièrement espacés.

• L'œuvre devrait comporter un centre d'intérêt ou un point focal, afin d'éviter qu'elle ne devienne un motif en soi.
• Le regard du spectateur doit parcourir tous les éléments de l'œuvre avant de s'éloigner du cadre.
• Le sujet ne doit pas être tourné vers l'extérieur de l'image.
• Il convient d'éviter les bissections exactes de l'espace de l'image.
• Les petits éléments à fort contraste ont autant d'impact que les éléments plus grands et plus ternes.
• Le sujet principal doit être décentré, sauf si une composition symétrique ou formelle est souhaitée, et peut être équilibré par des éléments satellites plus petits.
• La ligne d'horizon ne doit pas diviser l'œuvre en deux parties égales, mais être positionnée de manière à mettre en valeur soit le ciel, soit le sol : davantage de ciel s'il s'agit de nuages, d'un lever ou d'un coucher de soleil, et davantage de sol s'il s'agit d'un paysage.
• L'utilisation de zones détaillées et de zones de « repos » peut guider le regard. Il est important de créer un contraste entre les détails et l'absence de détails.

Ces principes peuvent être des moyens d'obtenir une bonne composition, mais ils ne peuvent être appliqués séparément ; ils doivent agir de concert pour former une bonne composition.

• Il est également suggéré, dans une œuvre d'art, que les espaces entre les objets ne soient pas identiques afin de créer une image plus intéressante.

Ces tableaux représentent tous le même sujet, la Résurrection de Lazare , et essentiellement les mêmes personnages, mais leurs compositions sont très différentes :

• 
  Duccio , 1310–11
• 
  Geertgen à Sint Jans , années 1480
• 
  Guercino , vers 1619
• 
  Rembrandt , vers 1630