Bandes dessinées

Suite au succès du Journal de Mickey (fondé en 1934), des magazines de bandes dessinées spécialisés comme Spirou (fondé en 1938) et Tintin (1946-1993), ainsi que des albums de bandes dessinées en couleurs, devinrent le principal support de diffusion de la BD au milieu du XXe siècle. Comme aux États-Unis, à l'époque, la BD était perçue comme infantile et menaçante pour la culture et l'alphabétisation ; certains commentateurs affirmaient qu'« aucune ne résiste à la moindre analyse sérieuse », et que la BD était « le sabotage de tout art et de toute littérature ».

Dans les années 1960, le terme « neuvième art » a été forgée, la bande dessinée commençant à attirer l'attention du public et des universitaires en tant que forme d'art. Un groupe comprenant René Goscinny et Albert Uderzo a fondé le magazine Pilote en 1959 afin d'offrir aux artistes une plus grande liberté créative. Les Aventures d'Astérix de Goscinny et Uderzo y ont été publiées et sont devenues la série de bandes dessinées francophone la plus vendue. À partir de 1960, le magazine satirique et subversif Hara-Kiri a défié la censure dans l'esprit de la contre-culture qui a conduit aux événements de mai 1968.

La frustration face à la censure et aux ingérences éditoriales a conduit un groupe de dessinateurs de Pilote à fonder L'Écho des savanes, un magazine réservé aux adultes , en 1972. La bande dessinée expérimentale et destinée aux adultes a connu un essor considérable dans les années 1970, comme en témoignent les œuvres de science-fiction expérimentales de Mœbius et d'autres auteurs publiées dans Métal hurlant ; même les éditeurs traditionnels se sont mis à publier des bandes dessinées pour adultes au format prestigieux .

À partir des années 1980, les sensibilités grand public ont fait leur retour et la publication en série est devenue moins courante, parallèlement à la diminution du nombre de magazines de bandes dessinées et à la publication directe de nombreux albums. Des maisons d'édition plus petites, comme L'Association , qui publiaient des œuvres plus longues dans des formats non traditionnels et signées par des auteurs reconnus, se sont également développées. Depuis les années 1990, les fusions ont entraîné une diminution du nombre de grandes maisons d'édition, tandis que les petites maisons d'édition ont proliféré. Les ventes globales ont continué de croître malgré la tendance au rétrécissement du marché de l'édition imprimée.

Les bandes dessinées et les dessins animés japonais ( manga ) ont une histoire qui remonte aux personnages anthropomorphes du Chōjū-jinbutsu-giga (XIIe-XIIIe siècles), aux livres d'images toba-e et kibyōshi (XVIIe siècle) aux estampes sur bois comme l'ukiyo-e , populaires entre le XVIIe et le XXe siècle. Les Rakuten Kitazawa lança la première bande dessinée japonaise moderne . Dans les années 1930, les bandes dessinées étaient publiées en feuilleton dans des magazines mensuels à grand tirage pour filles et garçons, puis rassemblées en volumes reliés

L'ère moderne du manga au Japon a débuté après la Seconde Guerre mondiale, portée par le succès des séries du prolifique Osamu Tezuka et du manga Sazae-san . Les genres et les publics se sont diversifiés au cours des décennies suivantes. Les histoires sont généralement d'abord publiées en feuilleton dans des magazines souvent épais de plusieurs centaines de pages et pouvant contenir plus d'une douzaine d'histoires ; elles sont ensuite compilées en volumes reliés (tankōbon) . Au tournant des XXe et XXIe siècles, près d'un quart de tous les imprimés au Japon étaient des mangas . Les traductions ont connu un immense succès sur les marchés étrangers, égalant voire dépassant parfois les ventes des mangas japonais

Au début du XXe siècle, de nombreux magazines d'humour politique sont apparus, contenant des caricatures de politiciens et de célébrités locales. Le plus célèbre d'entre eux est Caras y caretas , qui continue d'être publié de nos jours.

Dans les années 1940 et 1950, l'industrie de la bande dessinée argentine a prospéré grâce à de nouveaux personnages destinés aux enfants et aux adolescents, tels que Patoruzú (un riche cacique tehuelche de Patagonie ) et Isidoro Cañones (un homme frivole de Buenos Aires ), tous deux créés par Dante Quinterno .

Entre 1957 et 1959, El Eternauta fut publié. Cette œuvre, saluée internationalement, visait à créer des récits humoristiques plus matures en Argentine . Créée par Héctor Germán Oesterheld et Francisco Solano López, elle se présente comme une histoire de science-fiction racontant une invasion extraterrestre à Buenos Aires, accompagnée d'une chute de neige toxique mortelle au contact. Elle est considérée comme une représentation de la dictature de 1955 qui persécutait les péronistes (Oesterheld lui-même étant péroniste). Oesterheld et toute sa famille furent victimes de disparitions forcées sous le régime .

Dans les années 1960, le magazine pour enfants Anteojito est créé, dans lequel Manuel García Ferré publiera les histoires de nombreux personnages qui deviendront des noms familiers, tels que Hijitus (un garçon pauvre et naïf dont le chapeau lui donnait des superpouvoirs) et Larguirucho (son compagnon).

Entre les années 1960 et 1970, Mafalda , l'un des personnages comiques les plus célèbres d'Argentine, créé par Quino , fit son apparition . Il connut un grand succès dans toute l'Amérique latine et en Europe . Mafalda était considérée comme une satire des familles urbaines de la classe moyenne et reflétait les aspirations politiques progressistes de la jeunesse.

Dans les années 1970, un personnage de bande dessinée marquant était Clemente , créé par Caloi . Il s'agissait d'un animal imaginaire sans bras ni ailes, qui ne mangeait que des olives et ne buvait que du maté . Malgré le climat politique agité de l'Argentine dans les années 1970, Clemente était péroniste et passionné de football .

Les bandes dessinées au format livre prennent des formes variées selon les cultures. En Europe, les albums sont généralement des volumes en couleur imprimés au format A4 , un format plus grand que dans de nombreuses autres cultures. Dans les pays anglophones, le format broché, issu des recueils de bandes dessinées, est également utilisé pour les œuvres originales. Par ailleurs, les volumes reliés de bandes dessinées sont appelés romans graphiques et sont disponibles en différents formats. Bien qu'utilisant le terme « roman » — généralement associé à la fiction —, l'expression « roman graphique » désigne aussi des ouvrages non fictionnels et des recueils d'histoires courtes. Au Japon, les bandes dessinées sont publiées en volumes appelés tankōbon, après leur parution en feuilleton.

Les dessins humoristiques et les caricatures éditoriales se composent généralement d'une seule case, souvent accompagnée d'une légende ou d'une bulle de dialogue. Les définitions de la bande dessinée qui mettent l'accent sur la séquence excluent généralement les dessins humoristiques, les caricatures éditoriales et autres dessins à une seule case ; ils peuvent être inclus dans les définitions qui mettent l'accent sur la combinaison du texte et de l'image. Les dessins humoristiques ont commencé à se répandre dans les grands journaux publiés en Europe aux XVIIIe et XIXe siècles, et le terme « cartoon » a été utilisé pour la première fois pour les décrire en 1843 dans le magazine humoristique britannique Punch .

Les webcomics sont des bandes dessinées disponibles sur Internet, apparues dans les années 1980. Elles peuvent potentiellement toucher un large public, et les nouveaux lecteurs peuvent souvent accéder aux archives des épisodes précédents. Les webcomics peuvent utiliser un espace illimité , ce qui signifie qu'elles ne sont pas limitées par la taille ou les dimensions d'une page de bande dessinée imprimée.

Certains considèrent les storyboards et les romans sans texte comme des bandes dessinées. Les studios de cinéma, notamment d'animation, utilisent souvent des séquences d'images comme guides pour le montage des films. Ces storyboards ne sont pas destinés à être commercialisés et sont rarement vus du public. Les romans sans texte sont des ouvrages qui utilisent des séquences d'images sans légende pour raconter une histoire.

« La bande dessinée … est parfois à quatre pattes, parfois à deux pattes, parfois elle vole, parfois elle ne vole pas … pour employer une métaphore aussi complexe que le médium lui-même, définir la bande dessinée revient à trancher un nœud gordien enveloppé de mystère … »

À l'instar des difficultés rencontrées pour définir la littérature et le cinéma , aucun consensus n'a été atteint quant à la définition du médium de la bande dessinée , et les tentatives de définition et de description se sont heurtées à de nombreuses exceptions . Des théoriciens tels que Töpffer , R.C. Harvey , Will Eisner [ David Carrier , Alain Rey et Lawrence Grove insistent sur la combinaison du texte et des images , bien que l'histoire de la bande dessinée comporte d'importants exemples de pantomimes . D'autres critiques, comme Thierry Groensteen et Scott McCloud, ont souligné la primauté des séquences d'images. Vers la fin du XXe siècle, la découverte par différentes cultures des traditions de bande dessinée des unes et des autres, la redécouverte de formes anciennes de bande dessinée oubliées et l'émergence de nouvelles formes ont rendu la définition de la bande dessinée plus complexe.

Les études européennes sur la bande dessinée ont débuté avec les théories de Töpffer sur sa propre œuvre dans les années 1840, qui mettaient l'accent sur les transitions entre les cases et la combinaison visuel-verbal. Aucun progrès supplémentaire n'a été réalisé avant les années 1970. Pierre Fresnault-Deruelle a ensuite adopté une approche sémiotique de l'étude de la bande dessinée, analysant les relations texte-image, les relations entre les images au niveau de la page et les discontinuités de l'image, ou ce que Scott McCloud a plus tard appelé « clôture ». En 1987, Henri Vanlier a introduit le terme Benoît Peeters et Thierry Groensteen se sont intéressés aux choix créatifs poétiques des artistes . Thierry Smolderen et Harry Morgan ont défendu des conceptions relativistes de la définition de la bande dessinée, un médium qui a revêtu diverses formes, toutes aussi valables les unes que les autres, au cours de son histoire. Morgan considère la bande dessinée comme un sous-ensemble des «Neil Cohn a entrepris d'analyser la compréhension de la bande dessinée à l'aide d'outils issus des sciences cognitives, en dépassant le cadre théorique par des expériences psychologiques et neuroscientifiques. Ses travaux ont démontré que les images séquentielles et la mise en page utilisent des « grammaires » distinctes, régies par des règles, pour être comprises. Ces grammaires dépassent les simples transitions entre les cases et les distinctions catégorielles des types de mise en page, et la compréhension de la bande dessinée par le cerveau serait similaire à celle d'autres domaines, comme le langage et la musique

Les récits historiques du manga tendent à se concentrer soit sur son histoire récente, postérieure à la Seconde Guerre mondiale, soit sur des tentatives visant à démontrer des racines profondes dans le passé, comme le rouleau illustré ja ) a été créée en 2001 pour promouvoir les études sur la bande dessinée. La publication de Manga ! Manga! The World of Japanese Comics de Frederik L. Schodt en 1983 a conduit à la diffusion de l'usage du mot manga hors du Japon pour désigner les « bandes dessinées japonaises » ou les « bandes dessinées de style japonais ».

Will Eisner (à gauche) et Scott McCloud (à droite) ont proposé des définitions influentes et controversées de la bande dessinée.

Coulton Waugh a tenté la première histoire complète de la bande dessinée américaine avec *The Comics* (1947). *Comics and Sequential Art* de Will Eisner (1985) et *Understanding Comics* de Scott McCloud (1993) furent parmi les premières tentatives en anglais de formaliser l'étude de la bande dessinée. *The Aesthetics of Comics * de David Carrier (2000) fut le premier ouvrage de référence sur la bande dessinée d'un point de vue philosophique. Parmi les principales tentatives américaines de définition de la bande dessinée, on peut citer celles d'Eisner, de McCloud et de Harvey. Eisner décrivait ce qu'il appelait « l'art séquentiel » comme « l'agencement d'images et de mots pour raconter une histoire ou mettre en scène une idée ». Scott McCloud a défini la bande dessinée comme « une juxtaposition d'images picturales et autres, disposées de manière délibérée, destinées à transmettre des informations et/ou à produire une réponse esthétique chez le lecteur », une définition strictement formelle qui détachait la bande dessinée de son contexte historique et culturel. R.C. Harvey a défini la bande dessinée comme « des récits ou des exposés picturaux dans lesquels les mots (souvent inscrits dans l'image, dans des bulles de dialogue) contribuent généralement au sens des images et inversement ». Chaque définition a eu ses détracteurs. Harvey considérait que la définition de McCloud excluait les bandes dessinées à une seule case, et s'opposait à la minimisation des éléments verbaux par McCloud, insistant sur le fait que « la caractéristique essentielle de la bande dessinée est l'incorporation d'un contenu verbal ». Aaron Meskin considérait les théories de McCloud comme une tentative artificielle de légitimer la place de la bande dessinée dans l'histoire de l'art.

L’étude interculturelle de la bande dessinée est complexifiée par la grande différence de sens et de portée des termes désignant la « bande dessinée » selon les langues. Le terme français «nom indénombrable et prend donc le singulier : « comics is a medium » plutôt que « comics are a medium ». Lorsqu’il apparaît comme nom dénombrable, il désigne des éléments du médium, tels que des strips ou des albums de bandes dessinées : « Tom’s comics are in the basement. »

Les cases sont des images individuelles contenant un segment d'action, souvent entourées d'une bordure. Les moments clés d'un récit sont décomposés en cases par un processus appelé encapsulation. Le lecteur reconstitue le récit par un processus de fermeture, en utilisant ses connaissances antérieures et sa compréhension des relations entre les cases pour les combiner mentalement en événements. La taille, la forme et la disposition des cases influent chacune sur le rythme et la temporalité du récit. Le contenu d'une case peut être asynchrone : les événements représentés dans la même image ne se produisent pas nécessairement au même moment.

Le texte est fréquemment intégré aux bandes dessinées par le biais de bulles de dialogue , de légendes et d'onomatopées. Les bulles de dialogue indiquent les dialogues (ou les pensées, dans le cas des bulles de pensée ), leur queue pointant vers leurs interlocuteurs respectifs. Les légendes peuvent donner la parole à un narrateur, retranscrire les dialogues ou les pensées des personnages, ou indiquer le lieu ou le temps. Les bulles de dialogue sont intrinsèquement liées à la bande dessinée, au point que l'ajout d'une bulle à une image suffit à la transformer en bande dessinée. Les onomatopées imitent textuellement des sons non vocaux .

Le dessin humoristique est le plus souvent utilisé dans la création de bandes dessinées, traditionnellement à l'encre (notamment à l'encre de Chine ) avec des plumes ou des pinceaux ; les techniques mixtes et la technologie numérique sont devenues courantes. Des techniques de dessin humoristique telles que les lignes de mouvement et les symboles abstraits sont souvent employées.

Bien que les bandes dessinées soient souvent l'œuvre d'un seul créateur, leur réalisation est fréquemment répartie entre plusieurs spécialistes. Il peut y avoir des scénaristes et des dessinateurs distincts , et les dessinateurs peuvent se spécialiser dans certaines parties du dessin, comme les personnages ou les décors, comme c'est courant au Japon. En particulier dans les bandes dessinées de super-héros américaines, le travail artistique peut être partagé entre un dessinateur , qui réalise le croquis au crayon ; un encreur , qui finalise le dessin à l'encre ; un coloriste ; et un lettreur , qui ajoute les légendes et les bulles de dialogue.